Après avoir évoqué il y a quelques mois les premiers disques de Gil Scott-Heron, il est temps de revenir sur le personnage à l’occasion de la parution d’un excellent opus, sobrement et modestement intitulé I’m New Here (2010, XL Recordings). Les plus chanceux auront pu arracher leur place pour sa venue au New Morning (la date de 2009 ayant été annulée tardivement pour quelque imbroglio juridique du sieur Scott-Heron) le 10 mai prochain.

Un disque empreint de la même pénombre soul que les premiers albums de Gil Scott-Heron, mais ici l’âge fait son office et plutôt bien. La production fait un usage raisonnable des boîtes à rythmes, lui conférant un aspect parfois très proche des sonorités sud-britanniques du trip-hop. L’écoute de Me and The Devil (qui n’est pas une reprise de Robert Johnson, bien que le thème prête à la confusion, désolé Franck !) suggère et déclenche un spleen immédiat, que seule la profondeur de la voix délicieusement tannée de Gil permet de ne pas voir totalement sombrer. Quelques réminiscences d’autres grande figures d’écorchés de la soul et du jazz qui ont brûlé leur vie par les deux bouts tout en survivant magnifiquement (c’en est presque indécent) :  Nina Simone, Ray Charles, Ella Fitzgerald…

L’intimisme (poussé jusqu’à s’accompagner avec une simple guitare acoustique sur I’m New Here) est l’une des clefs de la réussite de cette production ; il permet à Scott-Heron de se renouveler, de sortir du style feutré du tandem formé entre 1970/1980 avec Brian Jackson. On appréciera particulièrement qu’il ait renoué avec l’esprit des Small Talks de 1970. Car Scott-Heron remet quelques points sur les i de ceux qui confondent flow et gerbe vocale (impossible de compenser une inanité de discours, même avec de gros ressorts sous une paire de Nike, comme le laissaient déjà transparaître quelques salves acerbes mais justes issues de Message to the Messengers, pénultième album sorti en 1993 « Four letter words or fours syllable words won’t make you a poet, It will only magnify how shallow you are and let ev’rybody know it » – ce qui en français pourrait se traduire par « Balancer des gros mots ne fera pas de toi un poète, ça frappera ton être du sceau de la superficialité, et le fera savoir ». CQFD) : dans la lignée des Last Poets, il n’a pas démérité de son sobriquet de « godfather of rap ».

Une écoute vaut mieux qu’un long monologue de ma part. Quittez vos écrans, allongez-vous et écoutez, abreuvez-vous du sirop mélancolique qui émane de cet excellent disque. Pour qui ne peut bourse délier, l’album est en version streaming sur Spotify.

On murmure même que Gil Scott-heron pourrait faire un passage à l’édition 2010 de Jazz à la Villette !

Et rendez-vous sur Gonzaï pour y lire une excellente chronique musicale de cet ovni musical par Arnaud Sagnard.

Clifford Charles Seeley

Paul Kagan

Victor Moscoso

Wes Wilson

Voici un complément de quelques grands noms du graphisme psychédélique dont quelques pièces étaient exposées au Musée d’Orsay tout récemment.

Lester Bangs (1948-1982), initiateur de la mouvance critique du « journalisme Gonzo », fut saisi, dans ses moments d’égarements et d’excès en tout genre qui laissent augurer sa mort si précoce, dit ne jamais s’être remis d’Astral Weeks ; partant, il le considérait comme le disque ayant eu le plus d’importance dans sa courte vie. Dans ce passage, extrait de Stranded (1979) – dernière période de sa vie – Lester Bangs affronte la question de la signification et de l’impact d’une poétique mystique qui marquent cette œuvre de Van Morrison. Au piège de sa propre tentative d’élucidation, probablement.

Au final, peu importe de saisir le signifié : la tension entre illusion réaliste (Sainte-Beuve est toujours dans l’impasse ici) et une thématique prégnante dans l’œuvre de Morrison dans sa totalité, celle d’une esthétique de la vision[1] illumine ce disque. Inutile d’appliquer ici quelconque théorie sémiotique, l’effet surnaturel balayant tout d’un revers.

Une occasion de redécouvrir cet opus à la fois puissant et lénifiant, dominé par une ambiance acoustique (a-t-on jamais entendu un disque folk/rock sonner de manière aussi sublime par une orchestration traditionnelle ?) où la contrebasse mène le bal mystique. On soulignera que deux des musiciens présents sont rodés au jazz (Jay Berliner et Connie Kaye), apportant la virtuosité remarquable mais jamais vaniteuse aux variations libres d’Astral Weeks. Fait étonnant, Astral Weeks, sorti en novembre 1968, n’a pas suscité de soudain engouement et ses ventes sont toujours restées modestes.  Et ce n’est certainement pas ce qui nous retiendra de l’écouter…

On retrouvera l’article original à cette adresse. L’album est écoutable en streaming sur Spotify.

Lester Bangs

Astral Weeks

(Traduction de Jean-Paul Mourlon, in Pyschotic Reactions  & autres carburateurs flingués, © 2005 Tristram)

Vous vous demandez probablement quand je vais me mettre à vous parler d’Astral Weeks. À dire vrai, il y a beaucoup de choses dedans dont je ne souhaite pas vous parler du tout. À la fois parce que, que vous l’ayez entendu ou non, il ne serait pas juste que je vous impose mon interprétation d’une imagerie à la subjectivité aussi lapidaire, et parce que, dans bien des cas, je ne sais pas de quoi Morrison parle. Lui non plus, d’ailleurs : « Je ne suis pas surpris que les gens tirent des significations différentes de mes chansons, a-t-il dit à un interviewer de Rolling Stone. Mais je ne veux pas donner l’impression que je sais ce que tout ça veut dire, parce que ce n’est pas le cas… Il y a des moments où je suis perplexe. J’examine certains trucs qui viennent, voyez. Et par exemple il y a ça et ça a l’air d’aller, mais je ne suis pas sûr de ce que cela signifie. »

There you go

Starin’ with a look of avarice

Talkin’ to Huddie Ledbetter

Showin’ pictures on the walls

And whisperin’ in the halls

And pointin’ a finger at me.

Je n’ai pas la moindre idée de ce que ça « veut dire », bien qu’à un certain niveau  j’aimerais aborder ce texte d’une manière aussi indirecte  et aussi évocatrice que les paroles elles-mêmes. De toute façon, vous courez aux ennuis dès que vous vous asseyez pour expliquer exactement ce que signifie un document mystique, ce qu’est exactement Astral Weeks. Pour commencer, il signifie le jeu de basse de Richard Davies, qui accompagne les chansons et le chant tout du long avec un lyrisme qui n’est pas simple grand talent de musicien : il comporte quelque chose de plus  qu’inspiré, ému, on pénètre là dans le royaume du miraculeux. Tout l’ensemble, – la section de cordes de Larry Fallon, la guitare de Jay Berliner (il a joué sur le Black Saint and the Sinner Lady, de Mingus), la batterie  de Connie Kay – est de ce tonneau : eux et Van sonnent comme si non seulement ils lisaient mutuellement leurs pensées, mais que de surcroît ils y habitaient. Les faits sont peut-être différents. À l’époque, John Cale  faisait un album dans le studio voisin, et  raconte :  «  Morrison ne pouvait travailler avec personne, alors finalement ils l’ont enfermé tout seul dans le studio. Il a enregistré toutes les chansons avec une simple guitare sèche, et plus tard ils ont fait des overdubs sur tout le reste de la bande. »

Le récit de Cale peut être vrai ou non – mais de toute façon, les faits ne nous seront d’aucune utilité ici. Fait : Van Morrison avait vingt-deux ans – ou vingt trois – quand il a enregistré ce disque ; il y a des vies entières derrière. Astral Weeks ne parle pas de faits, mais de vérités. Astral Weeks pour autant qu’on puisse le définir, est un album qui parle de gens assommés par la vie, complètement écrasés, enfermés dans leur peau, leur âge et leur moi, paralysés par l’énormité de ce qu’ils peuvent comprendre en un instant visionnaire. C’est un don terrible et précieux, né d’une atroce vérité, parce que ce qu’ils voient est à la fois infiniment beau et horrifiant au possible : la capacité  humaine infinie de créer ou de détruire, selon le caprice. Ce n’est pas de la mystique orientale, ni une vision psychédélique ; encore moins une perception baudelairienne de la beauté du sordide ou du grotesque. Peut-être cela se réduit-il à la découverte momentanée du miracle de la vie, avec son concomitant inévitable, un aperçu vertigineux de la capacité à souffrir, et d’infliger cette souffrance.

Timbre à l'effigie de Stepan Bandera

Je n’ai pas particulièrement eu écho de cette sinistre affaire (si la presse nationale en a parlé, merci de me le signaler), n’eussé-je cherché quelque information d’après une notice conservée à la Bibliothèque de documentation internationale contemporaine (BDIC). En effet, le président ukrainien a décidé de lui conférer le statut, ou plutôt la « dignité » de « héros d’Ukraine » ce 22 janvier 2010. On le verrait plutôt au sommet du Golgotha, le retour cyclique des temps troubles a joué hélas en sa faveur. Décidément sans culpabilité, remarquable dans une obscénité éclatante, le gouvernement ukrainien va jusqu’à faire imprimer des timbres postaux à l’effigie de celui qui, après avoir organisé le meurtre d’un ministre polonais en 1934, collabora avec l’armée allemande (qui venait de le libérer de sa geôle) en proposant les services de son propre bataillon ukrainien baptisé (tenez-vous bien) « Nachtigall » (rossignol), partie prenante de la Légion ukrainienne.

Cette réhabilitation (enfin, l’a-t-on un jour réellement désavoué ?) d’une des figures aux prémices du nationalisme toujours prégnant en Ukraine ne semble pas émouvoir les « grandes démocraties ». Comble, c’est d’une des autoproclamées démocraties les plus douteuses de l’ Europe occidentale que vient l’indignation : la Fédération de Russie.

La victoire du non moins véreux Ianoukovitch (son « Parti des régions » – notez ici la hauteur politique – est propulsé par la manne financière de la holding System Capital Management, contrôlée par Akhmetov) contre la duchesse des gazoducs Ioulia Tymochenko (« centre-droit », notion assez différente de ce qui existe chez nous) n’augure rien de bon à l’Est.

On le sait depuis longtemps, le journal de la défunte Anna Politkovskaïa nous le confirmait : la scène politique russe a recyclé avec succès sa bureaucratie d’apparatchiks en mafieux constituant une multitude de droites (inspirées et zélées jusqu’à racheter ou fabriquer leurs propres centre-gauches fantoches, voyez peut-être là une des inspirations de notre prestigieux parti-pieuvre français ; au même titre que l’Italie, voir l’excellent texte d’Ascanio Celestini Jetez la Pierre et cachez la main traduit par Olivier Favier, où comment on finit avec deux mains droites). Blanc bonnet, bonnet blanc.

Monk Montgomery jouant une Fender Jazz Bass typique de la période 1966

Voilà un Montgomery qui n’a pas eu la reconnaissance de son propre frère, l’illustre guitariste de jazz Wes Montgomery. Le troisième frère, le benjamin, Buddy Montgomery, vibraphoniste (à noter qu’on le trouve au piano sur des sessions tardives des années 1990, alors que Roy Ayers tient les mailloches !), a probablement subi le même sort, se retirant quasiment de la scène pour vivre de l’enseignement de la musique et de sessions en studio.

C’est par une interview de Carol Kaye au site BassPlayer.tv que j’ai pu découvrir William Howard « Monk » Montgomery (1921-1982), qu’elle qualifie de pionnier de la basse électrique au sein des formations Big Band Jazz, eu égard au fait que Jaco Pastorius récolte tous les honneurs en tant que bassiste électrique virtuose de la sphère jazz-fusion :

« People don’t know but one of the first players of the electric bass was Monk Montgomery. He went on the road with Lionel Hampton’s band, playing the electric bass, back in the fifties. He’s the first one that used electric bass, I think, in the Big Band. It sounded good, too! »

(« Les gens l’ignorent mais l’un des premiers joueur de basse électrique était Monk Montgomery. Il a accompagné l’orchestre de Lionel Hampton, en jouant de la basse électrique, c’était dans les années 1950. Il est le tout premier à avoir utilisé la basse électrique dans un contexte de Big Band. Et ça sonnait! »).

La légende qui fait de Bill Black, contrebassiste d’Elvis Presley, le premier bassiste électrique prend du plomb dans l’aile. Un des premiers du rock, sans doute, pas de la musique. À l’instar de la plupart des pionniers de la basse, Monk Montgomery était un transfuge de la contrebasse (tandis que Carol Kaye vient de la guitare).

Cependant, à l’inverse de James Jamerson, qui avait abordé l’instrument en décalquant totalement la technique de la contrebasse (tension énorme des cordes, jeu au doigt en crochet), Monk Montgomery tente de l’aborder comme un instrument entièrement neuf. Il n’est pas rare, d’après les photos, de le voir jouer d’une façon hétérodoxe (le point de repère étant la manière de jouer commune d’aujourd’hui), en utilisant son pouce. Là encore, la magie opère sans artifices. Point de prouesses techniques (pas de slap et d’avalanches de notes, encore moins de tapping à trois mains), peu de notes et bien posées, avec du silence et de la syncope, en veux-tu en voilà ! Il en est de Montgomery comme de Jamerson : il y a peu de notes, mais si parfaitement placées qu’elles sont rythmiquement difficile à exécuter (les lecteurs, dans une moindre proportion les déchiffreurs de solfège tireront alors grand bénéfice des indications de rythme et de mesures).

The Mastersounds, formation des frères Montgomery créée à Seattle

Car, on aurait tendance à l’oublier, faute de perspective historique suffisante, tant nous sommes familiers de ces instruments à la fois modernes et si récents, même dans les années 1960, la basse électrique – entrée alors dans la langue populaire musicale comme la « Fender Bass » – est quelque chose d’étrange, fascinant : on peine presque à croire que cette planche à quatre corde va remplacer la contrebasse dans les orchestres modernes. Les propos de Chuck Rainey sur sa première basse permettent de prendre la mesure du caractère exceptionnel de l’instrument en ce temps (ce devait être comme posséder un séquenceur tactile de nos jour, l’objet franchement extra-terrestre) :

« Since I was playing single notes, someone suggested that I get a bass. And I did that; my parents got it for me. I got a Fender bass, and I was the only person in Youngstown, Ohio at that time that had a Fender bass. [Laughs]. And, of course, the band I was in got a lot of attention because of the instrument. You know the Fender bass was a relatively new instrument. »

(« Comme je jouais note-à-note, quelqu’un me suggéra de trouver une basse. Et je l’ai fait ; mes parents m’en ont payé une. J’ai eu une basse Fender, et  j’étais la seule personne de Youngstown, Ohio, à l’époque, à posséder une basse Fender. [rires]. Et bien entendu, le groupe et moi-même gagnions beaucoup d’attention du fait de cet instrument. Vous savez, la basse Fender était un instrument relativement nouveau. ») (ndr : on situe son début à la basse vers 1958)

The Mastersounds, 1957

Revenons à Monk Montgomery, qui, outre ses fonctions d’accompagnateur, a produit quelques opus où la basse emmène les thèmes. Signalons, en 1957, avec les Mastersounds, Water’s Edge, qui comptait à sa formation Buddy Montgomery (vibraphone), Richie Crabtree (piano), Monk Montgomery (basse électrique Fender), Benny Barth (batterie). Sur la pochette, Monk Montgomery tient une basse Fender typique de la période 1951-1954 : forme issue de la guitare Telecaster, tête coupée quasi droite, capots chromés sur le micro et le chevalet, tampon-étouffoir en mousse sous les cordes). On notera d’ailleurs la quasi publicité pour l’instrument (lieu commun de l’époque), puisqu’il est le seul à faire apparaître le sien et à le nommer par la marque dans les crédits du disque (cf supra).

réédition cd de It's never too late (Mo Jazz)

En 1969, c’est la parution de It’s never too late, chez Motown Records (tiens en parlant de Jamerson !). L’album est essentiellement constitué de titres et standards jazz (dans le style Broadway, Nancy Hamilton et Morgan Lewis) et soul, issus du catalogue Motown (Stevie Wonder). On retiendra la participation du saxophoniste/bassiste Wilton Felder (Motown West Coast, section dite « Mo-West ») aux arrangements de Can we talk to you ?

A Bass Odyssey (1971)

En 1971 paraît son deuxième opus solo, cette fois sous le label Chisa, mais toujours au sein de Motown Records : A Bass Odyssey. Il pose fièrement avec une Fender Jazz Bass et l’ampli seyant. C’est à presque cinquante années qu’il explore toujours plus loin les possibilités de la basse électrique dans un contexte jazz, à partir de ses propres compositions jazz (une seule est signée de son frère Buddy). Comme je ne peux vous indiquer de liens d’écoute vers Spotify, je vous invite à écouter Journey to the Bottom sur YouTube.

Reality (1974)

À écouter aussi, son dernier opus, Reality (1974), paru chez Philadelphia International Records, qui tend résolument vers le funk old school comme on l’aime (de la wah-wah, du clavinet, des cuivres qui suintent : on n’est pas loin des HeadHunters (avec Herbie Hancock et sans) et des Bar-Kays période Gotta Groove (1969).

Sur ce, comme je découvre moi aussi, humble mélomane mais non moins monomaniaque, je vais musarder sur la toile en quête de matériau…

Bonne écoute !

Sources consultées :

http://www.bassguitar.com/william-howard-montgomery.html

http://www.bassplayer.com/article/will-lee-interviews/feb-97/6962

http://bassplaying.com/?q=node/210

http://www.freshsoundrecords.com/record.php?record_id=4954

http://en.wikipedia.org/wiki/Monk_Montgomery

http://myjazzworld.blogspot.com/2008/10/monk-montgomery-reality.html ( note : consulté le 12 janvier 2010, blog inactif au 24 février 2010)

C’est aussi l’occasion de se rendre à l’exposition Art Nouveau Revival qui a lieu au Musée d’Orsay (jusqu’au 4 février 2010), où l’on trouve cette réminiscence psychédélique des aspects floraux de l’Art Nouveau. Dans le joli catalogue de l’exposition, que j’ai très rapidement feuilleté en librairie, on retrouve le nom du magicien touche-à-tout Klaus Voormann.

Source : site officiel de Bob Masse

Elle a parfois besoin de dépasser l’accordage en quartes habituellement restreint à quatre cordes (mi, la, ré, sol : EADG en anglais) qui lui vient directement de la contrebasse.

En effet, bien avant que ne naissent les basses cinq cordes, familièrement classées dans les instruments qualifiés d’ « extended range » (tessiture étendue, plus souvent vers les graves : en standard un Si grave, plus rarement un Do aigu, comme le fait le jazzman Steve Swallow), les industriels de l’instrument électrique on su proposer des modèles de guitares baryton, c’est-à-dire six cordes accordées de la même manière qu’une guitare mais une octave en dessous (Mi, La, Ré, Sol, Si, Mi : EADGBE en anglais) : une manière d’inciter les guitaristes à transposer leurs doigtés tout en exploitant un registre grave.

En ce sens, il n’est pas surprenant que John Entwistle (The Who), qui se considérait comme « bass guitarist » plutôt que « bass player » ait un temps utilisé ces types d’instruments (une Fender Bass VI et une Danelectro – conçue en 1956 et qui a inspiré le registre de la première, lancée sur le marché en 1961 –, cette dernière possédait en effet des cordes de guitares filées ronds et résonant avec le timbre long et harmonique de la corde de piano : cette découverte allait le pousser à développer avec le fabricant anglais Rotosound le type de corde de nos jours partout utilisé et réputé pour sa clarté, sa définition harmonique et surtout sa puissance percussive). Au niveau du diapason (« échelle » : la distance séparant le sillet de tête et le chevalet et va conséquemment définir l’espace entre chaque frette), elle se situe entre la guitare et la basse : 30 pouces (plus exactement, 2 de plus qu’une guitare standard et 4 de moins qu’une Fender Bass), soit la même taille qu’une basse à diapason court !! (des basses courtes comme des guitares et des guitares longues comme des basses, ça paraît étrange, mais ça participe à la variété des textures sonores!).

Réédition de la Danelectro Longhorn Baritone

Ces instruments ont d’ailleurs connu une demande telle de musiciens que les compagnies en ont relancé la production : Fender a fabriqué une quantité limitée de Fender Bass VI, mais à une plus grande échelle des Jaguar Baritone assemblées sur le site mexicain. Danelectro n’est pas en reste : ils ont relancé la production des 56′ Baritone et Longhorn Baritone en Asie.

John Entwistle, Circa 1963 : les fréquences basses (Fender VI et Danelectro Longhorn Baritone) et le cor, influences !

La Fender Bass VI, basée sur la guitare Jaguar, incrustations nacrées rectangulaires et tremolo manuel.

Jack Bruce en a aussi tiré avantage en enregistrant le fameux Disraeli Gears du mythique Cream (bien qu’il reste associé à la mythique Gibson EB3, dite « SG basse »), avant de s’orienter vers la basse fretless (les anciens violoncellistes tombent souvent dans la fretless!). Ladite Fender VI de Jack Bruce a d’ailleurs été repeinte artisanalement dans une composition chamarrée psychédélique (elle est d’ailleurs plus fameuse pour son côté « customisé » que ses qualités musicales intrinsèques).

Jack Bruce la voulait colorée !

Et puis, il y a les Beatles. Ils l’ont pas mal utilisée sur Let it Be, Lennon et Harrison préférant assurer les parties graves sur un instrument plus proche de leurs guitares que sur une quatre cordes Höfner ou Rickenbacker. On peut même entendre la piste de basse de Let it Be doublée par une deuxième basse solo qui n’est autre qu’une guitare Baryton Fender Bass VI.

Enfin, avec la New Wave, Robert Smith tisse (le spiderman du Lullaby) ses arpèges filtrés de chorus et autre flanger : l’exploitation des mediums/aigus de la guitare baryton confère aux mixes cette atmosphère indolente, éthérée. Cet instrument n’est que rarement joué en accords, c’est dans l’intrications de lignes solos qu’elle excelle. Les guitares baryton ont également une bonne réaction aux distortions de type fuzz (écouter I me mine du regretté George Harrison, sur Let it Be, 1970).

Et pour finir avec les instruments non-orthodoxes de chez Fender, la Fender Bass V, utilisée entre autres par John Paul Jones (toute une tournée de Led Zeppelin en 1973, John Paul Jones appréciait l’extension au Do aigu de l’instrument) et James Jamerson (à ses heures perdues, sans doute un cadeau).

John Paul Jones, en tournée avec Led Zeppelin

Richard Clare « Rick » Danko

29 décembre 1942 – 10 décembre 1999

Rick Danko s’est éteint il y a bientôt dix ans. Il était, avec Levon Helm (batterie), l’une des deux voix lead du combo canadien The Band, trop souvent confondus avec Bob Dylan qu’ils ont aidé à prendre un tournant résolument plus rock.

Rick Danko, né de parents ukrainiens, était, comme tous les musiciens de The Band, un multi-instrumentiste émérite. Il fût un bassiste remarquable, peu technique mais mélodique et posé comme l’était McCartney. Il est finalement peu connu qu’il explora le premier (en tout cas avec succès et bien avant Jaco Pastorius, bien qu’un océan de notes sépare les deux musiciens) les possibilités de la basse fretless (dépourvue de barrettes ou « frettes », comme la contrebasse), lorsqu’il abandonna sa Fender Jazz Bass pour une Ampeg AUB-1, instrument à lutherie raffinée, très « violonesque ».

Rick Danko

En vidéo, The Weight (vers 1971, probablement)

Discographie

The Band

Music from Big Pink (1968)

The Band (1969)

Stage Fright (1970)

Cahoots (1971)

Rock of Ages (live, 1972)

Moondog Matinee (1973)

Northern Lights -- Southern Cross (1975)

Islands (1977)

The Last Waltz (live/studio, 1978)

Jericho (1993)

High On The Hog (1996)

Jubilation (1998)

Solo

1977: Rick Danko

1991: Danko/Fjeld/Andersen (with Jonas Fjeld and Eric Andersen)

1994: Ridin’ on the Blinds (with Jonas Fjeld and Eric Andersen)

1997: Rick Danko in Concert

1999: Live on Breeze Hill

2000: Times Like These

2002: One More Shot (with Jonas Fjeld and Eric Andersen)

2005: Cryin’ Heart Blues

2009: At Dylan’s Cafe (A live solo concert recorded in Washington, DC on December 8, 1987)

2009: Live At O’Tooles Tavern (with Richard Manuel, recorded live in Scranton, PA December 12, 1985)

Petit préalable, ce billet ne prétend pas critiquer d’une quelconque hauteur, étant donné ma culture insuffisante en danse moderne. Je m’en tiendrai à l’observation d’une gestuelle scénique chorégraphiée par Jean-Claude Gallotta et synchronisée au livret de Gainsbourg : le spectacle ne contient en effet aucun passage parlé par les acteurs/danseurs.

La pièce s’ouvre sur le fauteuil de la shampouineuse fantasmée par Gainsbourg, Marilou. Bashung balance, sans surprise d’arrangement mais avec sobriété, l’ouverture, L’Homme à tête de chou, bien sûr. Quelques altérations du texte ici et là (les « sècheuzomintol » deviennent des « sèchomenthol », « festival à Woodstock » : « festival de Woodstock », et Levi’s est indifféremment prononcé « Lewis »…).
La basse syncopée-pantelante-psychédélique semble rescapée de l’époque Melody Nelson, quoique plus en retrait mais tout aussi abyssale, les guitares saturées mènent cette danse où le stupre s’acoquine du vertige provoqué par la jeune shampouineuse sur l’ »abominable bouc ». Thème gainsbourien par excellence, la Lolita de Nabokov, la « femme fatale » comme la chantaient Nico et le Velvet Underground (et Lou Reed, à qui le compositeur français – qui le cite dans cet opus –  emprunte une certaine forme de dédain musical et partage le sens du sarcasme).

La crudité, le talkover, échappent toujours ou presque à la vulgarité… Grâce une forme d’humour. Et l’on a justement l’impression que la part d’humour, parfois aux limites de la gauloiserie (comble pour un fumeur de Gitanes) [..."Elle était entre deux macaques, Du genre festival à Woodstock/Semblait une guitare rock à deux jacks/L'un a son trou d'obus, l'autre a son trou de balle/ crack !/Hey Doc, qui moi? paranoïaque?"...], est absente de cette chorégraphie où le geste de Marilou, main portée à la braguette masculine d’un blue-jeans est un leitmotiv. Pourtant, l’énergie psychédélique de cette troupe en paires de Levi’s n’est pas sans déplaire. Mais, dirons-nous, on s’en tient là. Pourtant, au pays d’Alice, que de malice à faire déborder, exploser, bien au-delà de la parabole coïtale. Certes, rien ne laissait présager une révolution de la danse, nul d’ailleurs n’y aurait pu prétendre ; on n’est pas venu voir Pina Bausch ou Israël Galvan (pas plus d’ailleurs que la musique de Gainsbourg ne fut révolutionnaire : elle sublimait des genres et des thèmes anciens, mais n’inventait guère de formes nouvelles – à l’exception du « concept album » à la française).

Le spectacle est dynamique, la danse suit de très (trop?) près la pulsation rock psyché hypnotique, le moment le plus exaltant fut lorsque Bashung entama les Variations sur Marilou ["dans son regard absent et son iris absinthe/Tandis que Marilou s'amuse à faire des vol/Utes de sèches au menthol/Entre deux bulles de comic-strip/Tout en jouant avec le zip/De ses Levi's/Je lis le vice/Et je pense à Caroll Lewis."], la troupe du CCN de Grenoble se laissa aller à la lascivité.

Un spectacle réjouissant, mais sans surprises.