Gravures tirées de la musique et les musiciens par A.Lavignac. Catalogue manufrance 1950.

Les orchestrations où le tuba vient épauler la basse électrique, à l’unisson, ne sont pas légion. Ce mélange explosif et rare qui dope le rhythm and blues mérite que l’on s’y attarde.

Au cours de cette année passée, j’ai mis en relation trois compositions, dont il faut souligner que deux au moins d’entre elles comportent un bassiste/tubiste. J’ai pu au moins identifier trois bassistes multi-instrumentistes : Louis Satterfield aux côtés de Donny Hathaway (basse électrique, tuba) et Herbie Flowers aux côtés de Lou Reed (basse électrique, tuba, contrebasse), Kelvin Wooten avec Raphael Saadiq (tuba et probablement basse électrique, étant crédité comme multi-instrumentiste dans le livret de l’album Instant Vintage, paru en 2003).

http://www.youtube.com/watch?v=q2t4nnGfudI

http://www.youtube.com/watch?v=Ooz85nVYfiU

http://www.youtube.com/watch?v=nyTaFXw19mw

Le musicien et producteur Nile Rodgers, fondateur avec Bernard Edwards (1952-1996) et Tony Thompson (1954-2003) du mythique CHIC, vient de mettre à disposition du public via son canal YouTube des enregistrements numérisés de The Big Apple Band, groupe qui préfigure CHIC (le changement de nom eut lieu alors que Walter Murphy se l’appropriait pour son propre groupe). Dans cet enregistrement live de 1976, on retrouve ce qui fera la qualité du groove de la formation funky new-yorkaise trop vite cataloguée comme un groupe de disco, une machine à hits. Bernard Edwards, Fender Jazz Bass en main, a déjà ce son lourd et syncopé, marque de fabrique inimitable, tout comme sa façon de remuer les doigts pour frapper les notes fantômes. Nile Rodgers déploie ses rythmiques saccadées que lui a probablement inspiré Jerome Smith du KC & The Sunshine Band, et Tony Thompson chevauche sauvagement son charleston.

En tout cas, le socle esthétique du CHIC à venir est bien là. Gare à vos esgourdes, le groove est impeccable.

Remerciements à la rédaction du magazine Funk U pour la diffusion de cette rareté.

Nile étant très francophile, il existe une version française de son site qui signale également cette archive.

http://www.youtube.com/watch?v=An2OZSaY8To

Bob Babbitt en 1964

Il est né Robert Kreinar à Pittsburgh (Pennsylvanie), on dit de lui qu’il fût un ancien catcheur.  Après une adolescence passée à étudier la musique classique, Bob Babbitt apprend la contrebasse du haut de ses 15 ans (il est déjà, à cette époque, d’une corpulence impressionnante) et joue dans l’orchestre de son lycée puis dans de multiples pubs. Deux ans plus tard, à l’occasion d’un concert, il découvre les possibilités infinies offertes par la puissance de la basse électrique Fender et décide, clairvoyant, d’échanger sa grand’ mère acoustique contre une Fender Jazz Bass (à laquelle il préférera finalement la Fender Precision Bass).

Puis, c’est le départ pour Detroit, quelque 400km plus loin. Il y exerce le travail qu’un homme de sa stature peut supporter : les chantiers de construction lui permettent de vivre sa passion musicale la nuit, en s’immisçant progressivement dans les clubs de jazz, rock n’ roll, blues/RnB. Il forme avec quelques musiciens le groupe instrumental The Royaltones qui connaît un succès qui dépasse le cadre de la région, tel que Del Shannon les recrute comme son orchestre permanent.

Cette solide carte de visite, et une expérience de la route et des sessions studio confirmée, lui vaut d’être repéré par Berry Gordy, qui a besoin d’un bassiste solide pour seconder le virtuose James Jamerson sur la route, auprès du jeune « little » Stevie Wonder, en 1968. Souvenons-nous, 1967, c’est l’heure des plus belles compositions et des chromatismes syncopés les plus savoureux par Jamerson et Babbitt : Uptight, For Once in my Life, I Was Made To Love Her, Signed, Sealed, Delivered…

http://www.youtube.com/watch?v=inXC_lab-34

Babbitt, c’est aussi les pistes que Jamerson n’a pu honorer sur le mythique What’s going on de Marvin Gaye : Mercy, Mercy Me, Inner City Blues (Make Me Wanna Holler). Bien qu’extrêmement empreint de la marque de son aîné (qui le regardait avec un œil méfiant de concurrent blanc dans la maison de la pop noire, et finit par lui montrer quelques marques de sympathie), le style de Babbitt est plus coulant, doux que celui très physique de Jamerson. Ses aptitudes musicales en feront le remplaçant et le seul Funk Brother à avoir secondé Jamerson sur Detroit (d’un côté, ce dernier luttait contre les démons de la bouteille, aussi la délocalisation de Motown sur Los Angeles engendra un recours fréquent à l’habilité à la basse d’un saxophoniste chevronné : Wilton Felder, le meneur des Crusaders).

Enfin, s’il ne fallait en retenir qu’un (le solos sont rares chez ce type de bassiste plutôt en retrait, assurant les fondations), le titre Scorpio du guitariste Dennis Coffey et son Detroit Guitar Band (petit aparté : Coffey vient de faire un passage au Jazz Festival de Paris-La Défense en pleine semaine et en pleine journée -- sic !) contient un chorus de la main de Bob Babbitt époustouflant.

Une légende relatée par Nate Watts dans le film Standing in the Shadows of Motown (2002) fait de cette œuvre une condition de recrutement pour un bassiste sur Detroit à l’époque (« if you couldn’t play that solo from Scorpio, you couldn’t get a gig ! you couldn’t get a gig ! » )

http://www.youtube.com/watch?v=JBISLdPrdLE

Le vétéran du funk pionnier était de passage en région parisienne (Bobigny le 17/02/2011 puis Ivry le 18/02/2011), fait assez extraordinaire pour être signalé quand on sait que l’homme, Sir Joe Quarterman, s’est retiré de l’industrie musicale après un LP mythique sorti chez GSF Records en 1973 (avant qu’il ne bouge chez Mercury), accompagné de singles EP exceptionnels, tels que le joyau Get Down Baby, épique titre en deux parties s’il en est.

Las, si notre Sir Joe affiche une pêche stupéfiante pour son âge, le groupe qu’il se targue d’avoir trié sur le volet, « The Jezebel Sextet » (censé remplacer les Speedometers qui semblent occupés ou congédiés ?)  se montre d’une tiédeur particulière, sinon d’une médiocrité qui infléchit conséquemment la setlist. Il s’agit de six britanniques de Londres, dont seul le trompettiste fait preuve d’un feeling à la hauteur du grand Joe. Le reste du groupe sonne résolument trop pop et manque de cette crasse saccadée qui est la marque d’un backing band de qualité. La frappe du batteur, sauf à de rares moments, est désespérément ordinaire, le guitariste semblerait plus à l’aise dans une formation de blues rock, le bassiste suffit à peine, quant au clavier, on se demande encore ce qu’il a joué ce soir-là.

Mais Sir Joe était chaud comme un lapin, vêtu d’un pantalon blanc et d’une chemise bleue, enchaînant postures évocatrices pendant ces ad lib interactifs avec l’auditoire. Le fait est, second grief, que Sir Joe laisse beaucoup trop de place à son groupe, qui joue seul pendant la moitié de la soirée. Seul le charisme du maître aura permis à ce concert d’Ivry (Le Hangar) de ne pas faire complètement naufrage.

Il aura eu au moins le mérite de remettre en tête à un auditoire a priori sensible à sa musique, les titres les plus ciselés de funk des années 1973-1974 (années prolifiques, où commencèrent à sévir sérieusement, dans cette veine mi-vocale/mi-instrumentale,  Kool & The Gang, Rufus, The Meters, The Bar-Kays). Des mixages d’une profondeur rare, avec cette chaleur typique de ce funk qui brasse rythmique dosée (alliage subtil d’une batterie minimale mais puissante, laidback, d’une basse lourde à souhait, et de congas, cloches, vibraslap), cuivres suintant, et d’une voix exercée toute une vie au gospel, qui constitue souvent une analogie de l’instrument de Sir Joe : la trompette.

http://www.youtube.com/watch?v=O7BGS5NNDLk

Un album fondateur et symbolique du funk-soul de la côte Est de la première partie des années 1970, réédité en CD récemment, mais à ces 9 titres s’ajoutent d’exquis singles portant cette version à 17 titres : Thanks Dad, Pts. 1-2, This Girl of Mine (She’s Good to Me), No, Get Down Baby, Pts. 1-2, I’m a Young Man, How High, Let Me Be What I Am, You Know It’s True.

Références et historique des éditions :

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSF-S-1009 US 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSI-1009 Italy 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GS 504 UK 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, Album) GSF Records, Pathé Marconi EMI 2C 064-94.244 France 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD) Charly Records Ltd. CPCD 8079 UK 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, RE) Charly Records Ltd. CPLP 8079 US 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (2xVinyl, RE) Soul Brother Records (3) LP SBCS 27 UK 2007

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD, Album, RE) Soul Brother Records (3) CD SBCS 27 UK 2007

Visitez aussi le Myspace de Joe Quarterman.

The Badest bass player in the country, Willie Weeks y’all!

C’est de cette manière enthousiaste (avant même de commencer à parler, il lâche un « Ha ! » approbateur) et sans équivoque que le légendaire Donny Hathaway (non pas légendaire parce que mort trop tôt et brutalement, mais parce que touché par la grâce, CQFD) fait l’éloge de ce jeune bassiste prodige venu de Salemburg, North Carolina.

Willie Weeks n’a que 25 ans lorsqu’il accompagne, en bassiste discret mais d’une solidité héritée tout droit de Jamerson, le troublant et troublé Donny Hathaway. Il l’a raconté lui-même, cette invitation de l’impétueux Donny Hathaway le présentant comme le bassiste « le plus chanmé » du pays, lui a collé un sacré défi cette nuit-là. Donny a lancé le thème du morceau Voices inside (Everything is Everything), qu’il va découper en quatre parties. Avant lui, Donny, après un premier mouvement introductif (au cours duquel il improvise un chorus de Fender Rhodes mémorable), a déjà donné voix au chapitre aux excellentissimes guitaristes Mike Howe et Cornell Dupree (qui officiait également auprès de Curtis King, comme indispensable ingrédient de son Memphis Soul Stew, Dupree étant une sympathique synthèse du génie mélodique de Grant Green, de l’énergie de Steve Cropper et de l’intrépidité racée d’Albert King).

Willie Weeks

Dès lors, le jeune Weeks a conscience qu’il ne peut pas se tromper. À la huitième minute du thème, il doit démarrer léger un solo qui va s’étirer langoureusement jusqu’à la douzième minute . Son instrument, selon toute source vraisemblable, serait une Fender Precision Bass de 1962 : des basses profondes, au « clic » caractéristique des cordes filées plat rehaussé par le petit « truc » du bout de mousse glissé sous les cordes. Une technique qui permet de faire ressortir la fondamentale des notes, à une époque où les moyens de faire entendre la basse (« couper le mix », dit-on) étaient rudimentaires. Weeks est tout le contraire de Pastorius (bassiste le plus surestimé s’il en est, qui aspirera à lui seul toute l’attention portée à l’instrument)  : humble, timide, en retrait, un son tout en retenue et à la fois lourd, bref, le sideman idéal. Weeks préfère opérer en plaçant des syncopes secrètes dignes des plus grands stratèges, plutôt que sauter à pieds-joints sur sa basse. Arrêtons là la comparaison inaproppriée entre un bassiste de session funk/soul et un bassiste-arrangeur de fusion superstar.

Willie Weeks se remémore :

« It’s incredible. Everywhere I go somebody knows my name. It’s not like with Michael Jackson—I don’t get mobbed—but I am famous, and I like it. It’s as incredible as that night Donny said, “On bass, ladies and gentlemen, the baddest bass player in the country—Willie Weeks, y’all!” I’m like, Oh, my God! What did he say? What am I going to do? I thought, I’d better build slow! »

(C’est incroyable. Partout où je vais, quelqu’un connaît mon nom. Ce n’est pas comparable à Michael Jackson — on ne m’assaille pas — mais je suis célèbre, et j’aime cela. C’est d’autant plus incroyable que ce soir-là, Donny dit « A la basse, mesdames, messieurs, le bassiste le plus terrible du pays — Willie Weeks ! » Et là, je suis là, Oh mon Dieu ! Qu’est-ce qu’il raconte ? Qu’est-ce que je vais faire ? J’ai pensé qu’il valait mieux construire lentement)

Enfin, Weeks démontre une chose. On peut placer très peu de notes, mais rudement efficaces sur un mi majeur 7^e statique. La cohésion d’ensemble du groupe, exceptionnelle ce soir-là, ouvre la voie au mythe qu’est devenu ce LP.

Référence discographique : Donny Hathaway -- Live (1972; Atco Records)

Stone the Crows (photographies issues du site officiel de Maggie Bell)

Il y a quelque chose chez les musiciens écossais, de métaphysique, qui les fait surgir çà et là dans l’histoire du rhythm and blues, de la soul, et par extension du rock. Nous avions les surprenants Average White Band à la fin des années 1970, sous la houlette de Hamish Stuart et Alan Gorrie, dont j’ai juré il y a quelques années, n’ayant jamais vu leurs têtes, que cette musique était jouée par des noirs. Ils furent d’ailleurs parmi les rares artistes blancs européens à figurer dans la programmation de l’émission « Soul Train », que nous voyons aujourd’hui rééditée en DVD, aux côtés de David Bowie.

S’il on remonte encore quelques années avant, il existe un autre cas stupéfiant (sans jeu de mot). C’est Stone the Crows. Mais Stone the Crows s’est vu trop vite affublé de la comparaison hâtive à Janis et son Big Brother (et plus tard ses autres backing bands : le Kozmic Band, puis l’ultime Full Tilt Band). Jugez vous-même, l’un des seuls – sinon le seul – billet en ligne sur Stone the Crow en français, s’intitule « STONE THE CROWS : clones de Janis Joplin ? ».

C’est une comparaison du même ordre qui a entraîné le manque de considération de Robin Trower – dont il va être question plus loin – en le ramenant à un émule un peu pâle de Jimi Hendrix.

Stone the Crows, c’est un groupe de la bonne vieille école du R&B du vieux continent, de la même futaie qu’un Led Zeppelin des débuts, quand le jeune Plant écumait les bars avec son harmonica. D’ailleurs, c’est Peter Grant, manager de Led Zeppelin qui leur donna ce nom, abasourdi par une de leur prestations scéniques au mythique club glaswegien Burns Howff (le groupe se nomme à l’époque « Power »), il s’exclama « Stone the Crows ! »

Il est vrai que Stone the Crows a bien des points communs avec la formation de Janis Joplin, la comparaison peut néanmoins être délimitée. D’abord, ses musiciens sont pour la plupart des hybrides typiques du tournant musical 60/70, la jonction psychédélique entre soul et rock, ils ont baigné autant dans le vieux blues que dans la soul séminale tout en prenant acte de la pop. Ils sont aussi d’excellents vocalistes, habitués à jouer en formation élargie (donc à chanter fort, lorsque les cuivres s’y mettent). Le bassiste James Dewar, secondant Magie Bell au chant, est une des voix les plus extraordinaire du R&B européen, qui lui vaudra une place de chanteur/bassiste dans le trio de Robin Trower, où officia également Bill Lordan à la batterie, un autre blanc nègre, et ce pour une excellente raison : il venait de la Family Stone de Sly Stewart !

http://www.youtube.com/watch?v=yE7NtFgfYsE

Mais pourquoi une vie si courte pour ce groupe ? Le malheur, c’est la mort sur scène de Les Harvey, frère d’Alex Harvey, tous deux à l’origine de la formation (Alex partira avec son propre groupe, l’Alex Harvey Band), d’abord connue comme le Alex Harvey Soul Band (voilà qui annonçait la couleur). Le 2 mai 1972, lors d’une balance son, Les Harvey s’électrocute sur scène : il a touché en même temps, les mains humides, un microphone mal relié à la terre et les parties métalliques de sa guitare . Stone the Crows, ébranlé, ne se remettra jamais d’un tel choc. Ils offrirent néanmoins un job à Jimmy McCulloch, ce qui lui servit d’excellente carte de visite lorsque McCartney l’embaucha dans son projet post-Beatles, « The Wings ».

Quant à James Dewar, après avoir excellé au chant dans le Robin Trower Trio (les mémorables Daydream, Day of the Eagle, Bridge of Sighs), il meurt en 2002 d’un arrêt cardiaque consécutif à une erreur médicale commise en 1987,  dans un quasi oubli : seule la presse écossaise a réellement relaté son décès.

Et comme le hasard fait bien les choses, après des années à chercher des extraits vidéo, je viens de trouver cette archive INA de 1973, qui fait apparaître le trio dans toute sa splendeur (Reg Isidore remplace Bill Lordan à la batterie).

Robin Trower Trio. Live 1973

Discographie

• Stone The Crows 1969
• Ode To John Law 1970
• Teenage Licks 1971
• Ontinuous Performance 1972

Dusty Fingers est une série de compilations de morceaux groovy (et par ailleurs souvent tombés dans l’oubli) que les artistes hip-hop et électro réinvestissaient dans des productions intelligentes. Inventaire scrupuleux des sources échantillonnées en une trentaine d’années de hip-hop par le DJ Bronx et Danny Dann the Beat Mann.

En effet, le flair des générations plus anciennes de DJ et leur connaissance des musiques soul et funk leur permettait alors de proposer une musique autrement plus savoureuse et fluide que les misérables boucles programmées sur le rap Star-Trek d’aujourd’hui, je veux parler de celui qui passe sur les ondes en ce moment, un hip-hop qui a rompu avec le background musical fort des années 1970, et disons le sans détours – un hip-hop sans culture. Limitons le constat misérabiliste : Cormega, l’un des lascars de Queensbridge (NY), aux côtés de Mobb Deep, Big Noyd, Nas, a utilisé un break bass+batterie de Frank McDonald (Night Moves, un instrumental au style inqualifiable) pour son titre R U my nigger ? (2001). Le même échantillon rythmique et mélodique a servi également de base à Nas (The Flyest) et Mobb Deep (Murderers). Ces derniers m’ont moins convaincu de l’utilisation de ce vieux vinyl, même si je suis un piètre amateur de hip-hop…

En tout cas, les 17 volumes réunis jusqu’à présent (plus de 10 années de dépoussiérage de galettes !) sont à découvrir ; voilà des heures d’encyclopédie musicale garanties. Avec un petite surprise parmi d’autres, deux reprises des Beatles…

Jetez également un œil sur ce petit inventaire des productions ayant samplé des morceaux parfois pas piqués des hannetons (vous verrez lequels) sur noyau.biz.

http://www.youtube.com/watch?v=Wv4-6XfZsKU

http://www.youtube.com/watch?v=ftp1Ob9cZOU

Parmi les premiers héritiers de cette première génération de pélerins de la basse électrique, on remarque ce jeune prodige que fût Michael Henderson, qui remplaça l’anglais Dave Holland qui souhaitait se consacrer à la contrebasse (il faut revoir sa fantastique performance à la basse Fender en 1969 au Festival de Wight) au sein du groupe de Miles Davis en 1970. Rapide calcul, il avait à peine 19 ans (certes, on trouve plus jeune, le bassiste Andy Fraser avait 16 ans lorsque Free joua à Wight !)

Le magazine Jazz Hot l’a choisi pour illustrer son numéro de novembre 1973 consacré aux musiciens de Miles.

Pour mémoire, voici les albums qu’il a enregistré avec Miles Davis du début de la période dite « électrique » à la retraite de ce dernier.

The Cellar Door Sessions (1970)

A Tribute to Jack Johnson (1971)

Live-Evil (1971)

On the Corner (1972)

In Concert: Live at Philharmonic Hall (1973)

Big Fun (1974)

Get Up with It (1974)

Agharta (1975)

Pangaea (1975)

Dark Magus (1977)

C’est à Saul Williams que revenait la tâche – périlleuse – d’ouvrir pour cet homme de paroles qui se veut « nouveau ici », Gil Scott-Heron. L’artiste, dans une polyphonie slammée/déclamée/haranguée/chantée, s’inscrit clairement dans la lignée de l’aîné qu’il introduit ce soir, tout comme des Last Poets : le mode talkover domine sur un fond principalement percussif, sans oublier la présence du tromboniste et multi-instrumentiste Julien Chirol. Le Black Stacey, comme il se définit dans l’une de ses propres compositions, lance une ouverture fracassante, un poème bombe intitulé  (Coded Language, que je pensais s’appeler Whereas), qu’il lit sur une sorte de parchemin. Saul Williams ne met guère longtemps à se mettre l’auditorium dans la poche. L’américain s’exprime d’ailleurs volontiers en français, avec un humour et une affabilité – entrecoupés de fous rires – tout naturels. Critiquant la politique états-unienne en matière de guerre (quoiqu’euphémisée et polie depuis l’arrivée d’Obama à la Maison Blanche), Saul Williams se fend même d’une petite pique désapprobatrice « Nous, les USA, la guerre pas bon. Mais en France aussi Sarkozy, non c’est pas bon ».

Après une bonne heure de show, une très rapide balance (doit-on lui attribuer un rôle dans ce qui vient plus bas), Gil Scott-Heron prend possession de la scène, costume gris et casquette de baseball, visage buriné mangé par une barbe sel, témoignant l’usure du bonhomme. Gil Scott-Heron est heureux d’être à Paris, il n’y a aucune feinte dans son attitude. Il serait même l’anti-rap à lui-même. Parler de soi sans tomber dans la vulgate « mon blase-ma gueule-mon trip ego »,  exeunt les autocélébrations du rap streetwear. D’ailleurs, je ne sais pas si vous avez remarqué, mais Scott-Heron ne porte ni bijoux ni tee-shirt à slogan. Fin de la digression.

Gil Scott-Heron prend la parole, pas pressé d’envoyer un répertoire prestigieux que d’aucuns pourraient s’attendre à le voir s’enchaîner à la vas-y-que-je-te-pousse. Il se pose. Marche quelques allers-retours en prenant le temps de cueillir chaque regard, palpant l’atmosphère et ouvrant, riant, sur l’incise que porte son dernier opus : I’m New Here. Gil, avec une modestie tendre, nous annonce, que le plus important n’est pas d’apprécier la musique mais de s’amuser soi ! (« You’re not supposed to enjoy the music, If you don’t – I don’t mind, but just enjoy yourselves ! »). Sur ce, l’artiste s’installe confortablement derrière un piano de type Fender Rhodes qui accompagne à merveille sa voix passée de ténor au quasi baryton, tannée par les années et teintée par des excès. Loin de l’orchestration soul-jazz de Pieces of a man (1970), dominée par la rythmique légendaire de Bernard Purdie et Ron Carter, la formation, sommaire et semi-acoustique, « The Midnight Band », se résume à un pianiste/harmoniciste (dont les chorus m’ont beaucoup rappelé ceux de Stevie Wonder), un saxophoniste/flûtiste, un percussionniste jouant principalement des congas. Gil Scott-Heron semble se laisser aller au gré d’un petit picorage dans 40 années de musique, appuyant sa musique d’une sincérité jamais feinte. L’homme, nerveux et toujours enthousiaste, s’emballe parfois un peu (Home is were the hatred is, que je compte parmi mes titres préférés, a été exécuté si vite que ça a pas mal confiné au brouhaha – je n’arrivais même plus à suivre les paroles), mais se fait à d’autres et nombreuses occasions brillant et rassurant (We almost lost Detroit seul au Rhodes, impeccable ou le poignant I’ll take care of you). Sans oublier qu’il se lève souvent pour communiquer avec l’auditoire, logé dans une salle qui n’a pourtant que peu à voir avec l’ambiance intime des clubs qui ont vu naître Small Talk At 125th And Lenox. Si la mise en place musicale n’était pas parfaite, Gil Scott-Heron prouve néanmoins sa grande honnêteté musicale – où la poésie dégagée tient autant à la qualité intrinsèque de ses compositions qu’à l’événement qui consacre sa manière de relation au public –un sens de l’humour et de l’autodérision (« You know, I’ve been sampled by many people! ») et une maestria hors du commun. Un seul rappel sera offert par l’artiste, Better Days Ahead.
Le seul cliché de la soirée ? Des « yeahhhh » , « right man » hurlés dans le public comme s’il ont était dans la 52e rue de New York, qui, dans le contexte, semblaient franchement décalés.
Et l’on sentait que le grand Gil voulait son concert parisien.

Qu’il revienne nous en-chanter, nous l’attendons.

Moondog

La Revue des Ressources, éclectique revue en ligne fondée et animée par Robin Hunzinger et Bernard Gauthier, republie ce 11 août 2010 (l’été obligeant, si l’on veut) un portrait du compositeur Moondog (né Louis Thomas Hardin) par Guy Darol, daté de janvier 2010, intitulé « L’enchanteur Moondog (1916-1999) ».