Wilson Pickett aux studios de Muscle Shoals, vers 1969

Memphis, ce n’est pas seulement la ville d’Elvis Presley. Ce n’est pas uniquement ce train du mystère auquel Jarmusch rendit hommage par un brillant triptyque cinématographique en 1989.

Dans le sillon de Stax, de petits studios essaiment dans l’état voisin du Tennessee, l’Alabama. Un documentaire exhumé des archives de Stax Records, qui date de 1969, fait la lumière sur l’alchimie du studio Fame. On y voit Booker T. and the MG’s (parmi eux, l’éminent co-auteur guitariste-arrangeur-compositeur d’Otis Redding, Steve Cropper, Donald « Duck » Dunn le bassiste frétillant, Al Jackson le magnifique, etc.), mais aussi Isaac Hayes, compositeur-pianiste-arrangeur pas tout à fait sous les feux de la rampe à l’époque, en train de formaliser un arrangement de cuivres (c’est-lui même qui insuffle vigueur au saxophone baryton) pour la section The Memphis Horns, le vocaliste Brook Benton, le bassiste David Hood et bien d’autres.

Fame Studios incarne également le fameux son « Muscle Shoals », cette banlieue de Memphis qui vit percoler un savant mélange de blues sudiste et une soul sophistiquée (pour n’en citer que quelques grandes pointures : Otis Redding, Wilson Pickett, Isaac Hayes, Sam & Dave)

Encore une fois, pour étayer cette histoire, je ne peux que recommander la formidable somme de Peter Guralnick traduite chez Allia, Sweet Soul Music.

La Fender Precision Bass 1951

(publicité Fender datée de 1952)

« Bassistes ! Jouez une basse Fender Precision originale et son amplificateur Bassman »

Excellent son de basse

Volume exceptionnel

Manche fretté

Toucher facile

Moins difficile qu’une vieille contrebasse

Facilement transportable

Poids plume

Tonalité et volume pour toutes les exigences de jeu

Maintenance rapide

Gravures tirées de la musique et les musiciens par A.Lavignac. Catalogue manufrance 1950.

Les orchestrations où le tuba vient épauler la basse électrique, à l’unisson, ne sont pas légion. Ce mélange explosif et rare qui dope le rhythm and blues mérite que l’on s’y attarde.

Au cours de cette année passée, j’ai mis en relation trois compositions, dont il faut souligner que deux au moins d’entre elles comportent un bassiste/tubiste. J’ai pu au moins identifier trois bassistes multi-instrumentistes : Louis Satterfield aux côtés de Donny Hathaway (basse électrique, tuba) et Herbie Flowers aux côtés de Lou Reed (basse électrique, tuba, contrebasse), Kelvin Wooten avec Raphael Saadiq (tuba et probablement basse électrique, étant crédité comme multi-instrumentiste dans le livret de l’album Instant Vintage, paru en 2003).

http://www.youtube.com/watch?v=q2t4nnGfudI

http://www.youtube.com/watch?v=Ooz85nVYfiU

http://www.youtube.com/watch?v=nyTaFXw19mw

Bob Babbitt en 1964

Il est né Robert Kreinar à Pittsburgh (Pennsylvanie), on dit de lui qu’il fût un ancien catcheur.  Après une adolescence passée à étudier la musique classique, Bob Babbitt apprend la contrebasse du haut de ses 15 ans (il est déjà, à cette époque, d’une corpulence impressionnante) et joue dans l’orchestre de son lycée puis dans de multiples pubs. Deux ans plus tard, à l’occasion d’un concert, il découvre les possibilités infinies offertes par la puissance de la basse électrique Fender et décide, clairvoyant, d’échanger sa grand’ mère acoustique contre une Fender Jazz Bass (à laquelle il préférera finalement la Fender Precision Bass).

Puis, c’est le départ pour Detroit, quelque 400km plus loin. Il y exerce le travail qu’un homme de sa stature peut supporter : les chantiers de construction lui permettent de vivre sa passion musicale la nuit, en s’immisçant progressivement dans les clubs de jazz, rock n’ roll, blues/RnB. Il forme avec quelques musiciens le groupe instrumental The Royaltones qui connaît un succès qui dépasse le cadre de la région, tel que Del Shannon les recrute comme son orchestre permanent.

Cette solide carte de visite, et une expérience de la route et des sessions studio confirmée, lui vaut d’être repéré par Berry Gordy, qui a besoin d’un bassiste solide pour seconder le virtuose James Jamerson sur la route, auprès du jeune « little » Stevie Wonder, en 1968. Souvenons-nous, 1967, c’est l’heure des plus belles compositions et des chromatismes syncopés les plus savoureux par Jamerson et Babbitt : Uptight, For Once in my Life, I Was Made To Love Her, Signed, Sealed, Delivered…

http://www.youtube.com/watch?v=inXC_lab-34

Babbitt, c’est aussi les pistes que Jamerson n’a pu honorer sur le mythique What’s going on de Marvin Gaye : Mercy, Mercy Me, Inner City Blues (Make Me Wanna Holler). Bien qu’extrêmement empreint de la marque de son aîné (qui le regardait avec un œil méfiant de concurrent blanc dans la maison de la pop noire, et finit par lui montrer quelques marques de sympathie), le style de Babbitt est plus coulant, doux que celui très physique de Jamerson. Ses aptitudes musicales en feront le remplaçant et le seul Funk Brother à avoir secondé Jamerson sur Detroit (d’un côté, ce dernier luttait contre les démons de la bouteille, aussi la délocalisation de Motown sur Los Angeles engendra un recours fréquent à l’habilité à la basse d’un saxophoniste chevronné : Wilton Felder, le meneur des Crusaders).

Enfin, s’il ne fallait en retenir qu’un (le solos sont rares chez ce type de bassiste plutôt en retrait, assurant les fondations), le titre Scorpio du guitariste Dennis Coffey et son Detroit Guitar Band (petit aparté : Coffey vient de faire un passage au Jazz Festival de Paris-La Défense en pleine semaine et en pleine journée -- sic !) contient un chorus de la main de Bob Babbitt époustouflant.

Une légende relatée par Nate Watts dans le film Standing in the Shadows of Motown (2002) fait de cette œuvre une condition de recrutement pour un bassiste sur Detroit à l’époque (« if you couldn’t play that solo from Scorpio, you couldn’t get a gig ! you couldn’t get a gig ! » )

http://www.youtube.com/watch?v=JBISLdPrdLE

Le vétéran du funk pionnier était de passage en région parisienne (Bobigny le 17/02/2011 puis Ivry le 18/02/2011), fait assez extraordinaire pour être signalé quand on sait que l’homme, Sir Joe Quarterman, s’est retiré de l’industrie musicale après un LP mythique sorti chez GSF Records en 1973 (avant qu’il ne bouge chez Mercury), accompagné de singles EP exceptionnels, tels que le joyau Get Down Baby, épique titre en deux parties s’il en est.

Las, si notre Sir Joe affiche une pêche stupéfiante pour son âge, le groupe qu’il se targue d’avoir trié sur le volet, « The Jezebel Sextet » (censé remplacer les Speedometers qui semblent occupés ou congédiés ?)  se montre d’une tiédeur particulière, sinon d’une médiocrité qui infléchit conséquemment la setlist. Il s’agit de six britanniques de Londres, dont seul le trompettiste fait preuve d’un feeling à la hauteur du grand Joe. Le reste du groupe sonne résolument trop pop et manque de cette crasse saccadée qui est la marque d’un backing band de qualité. La frappe du batteur, sauf à de rares moments, est désespérément ordinaire, le guitariste semblerait plus à l’aise dans une formation de blues rock, le bassiste suffit à peine, quant au clavier, on se demande encore ce qu’il a joué ce soir-là.

Mais Sir Joe était chaud comme un lapin, vêtu d’un pantalon blanc et d’une chemise bleue, enchaînant postures évocatrices pendant ces ad lib interactifs avec l’auditoire. Le fait est, second grief, que Sir Joe laisse beaucoup trop de place à son groupe, qui joue seul pendant la moitié de la soirée. Seul le charisme du maître aura permis à ce concert d’Ivry (Le Hangar) de ne pas faire complètement naufrage.

Il aura eu au moins le mérite de remettre en tête à un auditoire a priori sensible à sa musique, les titres les plus ciselés de funk des années 1973-1974 (années prolifiques, où commencèrent à sévir sérieusement, dans cette veine mi-vocale/mi-instrumentale,  Kool & The Gang, Rufus, The Meters, The Bar-Kays). Des mixages d’une profondeur rare, avec cette chaleur typique de ce funk qui brasse rythmique dosée (alliage subtil d’une batterie minimale mais puissante, laidback, d’une basse lourde à souhait, et de congas, cloches, vibraslap), cuivres suintant, et d’une voix exercée toute une vie au gospel, qui constitue souvent une analogie de l’instrument de Sir Joe : la trompette.

http://www.youtube.com/watch?v=O7BGS5NNDLk

Un album fondateur et symbolique du funk-soul de la côte Est de la première partie des années 1970, réédité en CD récemment, mais à ces 9 titres s’ajoutent d’exquis singles portant cette version à 17 titres : Thanks Dad, Pts. 1-2, This Girl of Mine (She’s Good to Me), No, Get Down Baby, Pts. 1-2, I’m a Young Man, How High, Let Me Be What I Am, You Know It’s True.

Références et historique des éditions :

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSF-S-1009 US 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSI-1009 Italy 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GS 504 UK 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, Album) GSF Records, Pathé Marconi EMI 2C 064-94.244 France 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD) Charly Records Ltd. CPCD 8079 UK 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, RE) Charly Records Ltd. CPLP 8079 US 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (2xVinyl, RE) Soul Brother Records (3) LP SBCS 27 UK 2007

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD, Album, RE) Soul Brother Records (3) CD SBCS 27 UK 2007

Visitez aussi le Myspace de Joe Quarterman.

The Badest bass player in the country, Willie Weeks y’all!

C’est de cette manière enthousiaste (avant même de commencer à parler, il lâche un « Ha ! » approbateur) et sans équivoque que le légendaire Donny Hathaway (non pas légendaire parce que mort trop tôt et brutalement, mais parce que touché par la grâce, CQFD) fait l’éloge de ce jeune bassiste prodige venu de Salemburg, North Carolina.

Willie Weeks n’a que 25 ans lorsqu’il accompagne, en bassiste discret mais d’une solidité héritée tout droit de Jamerson, le troublant et troublé Donny Hathaway. Il l’a raconté lui-même, cette invitation de l’impétueux Donny Hathaway le présentant comme le bassiste « le plus chanmé » du pays, lui a collé un sacré défi cette nuit-là. Donny a lancé le thème du morceau Voices inside (Everything is Everything), qu’il va découper en quatre parties. Avant lui, Donny, après un premier mouvement introductif (au cours duquel il improvise un chorus de Fender Rhodes mémorable), a déjà donné voix au chapitre aux excellentissimes guitaristes Mike Howe et Cornell Dupree (qui officiait également auprès de Curtis King, comme indispensable ingrédient de son Memphis Soul Stew, Dupree étant une sympathique synthèse du génie mélodique de Grant Green, de l’énergie de Steve Cropper et de l’intrépidité racée d’Albert King).

Willie Weeks

Dès lors, le jeune Weeks a conscience qu’il ne peut pas se tromper. À la huitième minute du thème, il doit démarrer léger un solo qui va s’étirer langoureusement jusqu’à la douzième minute . Son instrument, selon toute source vraisemblable, serait une Fender Precision Bass de 1962 : des basses profondes, au « clic » caractéristique des cordes filées plat rehaussé par le petit « truc » du bout de mousse glissé sous les cordes. Une technique qui permet de faire ressortir la fondamentale des notes, à une époque où les moyens de faire entendre la basse (« couper le mix », dit-on) étaient rudimentaires. Weeks est tout le contraire de Pastorius (bassiste le plus surestimé s’il en est, qui aspirera à lui seul toute l’attention portée à l’instrument)  : humble, timide, en retrait, un son tout en retenue et à la fois lourd, bref, le sideman idéal. Weeks préfère opérer en plaçant des syncopes secrètes dignes des plus grands stratèges, plutôt que sauter à pieds-joints sur sa basse. Arrêtons là la comparaison inaproppriée entre un bassiste de session funk/soul et un bassiste-arrangeur de fusion superstar.

Willie Weeks se remémore :

« It’s incredible. Everywhere I go somebody knows my name. It’s not like with Michael Jackson—I don’t get mobbed—but I am famous, and I like it. It’s as incredible as that night Donny said, “On bass, ladies and gentlemen, the baddest bass player in the country—Willie Weeks, y’all!” I’m like, Oh, my God! What did he say? What am I going to do? I thought, I’d better build slow! »

(C’est incroyable. Partout où je vais, quelqu’un connaît mon nom. Ce n’est pas comparable à Michael Jackson — on ne m’assaille pas — mais je suis célèbre, et j’aime cela. C’est d’autant plus incroyable que ce soir-là, Donny dit « A la basse, mesdames, messieurs, le bassiste le plus terrible du pays — Willie Weeks ! » Et là, je suis là, Oh mon Dieu ! Qu’est-ce qu’il raconte ? Qu’est-ce que je vais faire ? J’ai pensé qu’il valait mieux construire lentement)

Enfin, Weeks démontre une chose. On peut placer très peu de notes, mais rudement efficaces sur un mi majeur 7^e statique. La cohésion d’ensemble du groupe, exceptionnelle ce soir-là, ouvre la voie au mythe qu’est devenu ce LP.

Référence discographique : Donny Hathaway -- Live (1972; Atco Records)

L’un de ses deux chanteurs et guitariste au bottleneck, interprète de On the Road Again et Going up the Country (entre autres), Alan Wilson,– surnommé « la chouette aveugle » en raison d’une forte myopie dont on peut présupposer qu’elle était fort invalidante – décède d’excès d’héroïne en pleine gloire. À ces mêmes maudits 27 ans, somme d’années à laquelle succombèrent Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin la même année. Moins extravagant, moins extraverti, on n’a jamais donné ce que l’on devait au génie d’Alan Wilson.

C’est aussi à ce moment que, malgré la présence de l’autre chanteur, l’ours Bob Hite, Larry Taylor jette l’éponge. Il poursuivra une carrière musicale sur la route du blues, entre contrebasse et basse.

Pour donner toute la mesure du talent de bassiste de Larry « The Mole » Taylor, il faut se délecter d’une ligne de basse jouée avec une grande subtilité et à la fois une énergie, un groove rare dans le blues.

Canned Heat, "Hallelujah", 1969

C’est que – à l’instar de Ron Carter et James Jamerson – Larry Taylor exploitait sa basse avec les techniques très « physiques » importées du jeu de la contrebasse (syncopes, walkings, silences, notes fantômes et notes étouffées, façon de « crocheter » l’index pour attaquer fort des cordes très tendues).

Cette mélodie qui opère la synthèse du blues et du groove, c’est Time Was, titre nostalgique qui n’aurait d’égal que le Good Times Bad Times de Led Zeppelin sorti la même année (quel cru ! 1969, analogie de sujet et d’excellence bassistique !), et elle réunit Alan Wilson au chant et Larry Taylor à la basse Fender.

http://www.youtube.com/watch?v=blhBcjuOUAM

Dusty Fingers est une série de compilations de morceaux groovy (et par ailleurs souvent tombés dans l’oubli) que les artistes hip-hop et électro réinvestissaient dans des productions intelligentes. Inventaire scrupuleux des sources échantillonnées en une trentaine d’années de hip-hop par le DJ Bronx et Danny Dann the Beat Mann.

En effet, le flair des générations plus anciennes de DJ et leur connaissance des musiques soul et funk leur permettait alors de proposer une musique autrement plus savoureuse et fluide que les misérables boucles programmées sur le rap Star-Trek d’aujourd’hui, je veux parler de celui qui passe sur les ondes en ce moment, un hip-hop qui a rompu avec le background musical fort des années 1970, et disons le sans détours – un hip-hop sans culture. Limitons le constat misérabiliste : Cormega, l’un des lascars de Queensbridge (NY), aux côtés de Mobb Deep, Big Noyd, Nas, a utilisé un break bass+batterie de Frank McDonald (Night Moves, un instrumental au style inqualifiable) pour son titre R U my nigger ? (2001). Le même échantillon rythmique et mélodique a servi également de base à Nas (The Flyest) et Mobb Deep (Murderers). Ces derniers m’ont moins convaincu de l’utilisation de ce vieux vinyl, même si je suis un piètre amateur de hip-hop…

En tout cas, les 17 volumes réunis jusqu’à présent (plus de 10 années de dépoussiérage de galettes !) sont à découvrir ; voilà des heures d’encyclopédie musicale garanties. Avec un petite surprise parmi d’autres, deux reprises des Beatles…

Jetez également un œil sur ce petit inventaire des productions ayant samplé des morceaux parfois pas piqués des hannetons (vous verrez lequels) sur noyau.biz.

http://www.youtube.com/watch?v=Wv4-6XfZsKU

http://www.youtube.com/watch?v=ftp1Ob9cZOU

Parmi les premiers héritiers de cette première génération de pélerins de la basse électrique, on remarque ce jeune prodige que fût Michael Henderson, qui remplaça l’anglais Dave Holland qui souhaitait se consacrer à la contrebasse (il faut revoir sa fantastique performance à la basse Fender en 1969 au Festival de Wight) au sein du groupe de Miles Davis en 1970. Rapide calcul, il avait à peine 19 ans (certes, on trouve plus jeune, le bassiste Andy Fraser avait 16 ans lorsque Free joua à Wight !)

Le magazine Jazz Hot l’a choisi pour illustrer son numéro de novembre 1973 consacré aux musiciens de Miles.

Pour mémoire, voici les albums qu’il a enregistré avec Miles Davis du début de la période dite « électrique » à la retraite de ce dernier.

The Cellar Door Sessions (1970)

A Tribute to Jack Johnson (1971)

Live-Evil (1971)

On the Corner (1972)

In Concert: Live at Philharmonic Hall (1973)

Big Fun (1974)

Get Up with It (1974)

Agharta (1975)

Pangaea (1975)

Dark Magus (1977)

Pour notre homme du jour, le quart de disque qui lui revient, part certes relative, est cependant à élever à l’exposant de son talent (moi qui ai toujours été un désastre mathématique). Joe Osborn, je ne peux même pas en dire plus. C’est un jeu qui ne se commente pas, il se goûte. À l’époque, il est dans les starting-blocks des bassistes prêts à enchaîner session sur session pour des dollars. Son style, qui vint agrémenter notamment les mélodies pop-folk de Simon & Garfunkel (Bridge over Troubeld Water, 1970), n’est pas si éloigné de celui de Carol Kaye : grosse basse Fender (une Jazz Bass « stacked knob » comme Fender les fabriquait entre 1960 – les prototypes, voir Herbie Flowers et son modèle de 1959 sur le site de Curtis Novak –, c’est-à-dire avec deux potentiomètres étagés, présentant chacun volume et tonalité par micro magnétique ; cette basse est celle de la photo ci-dessous), et attaque puissante au médiator sur des cordes à filet plat (comme Jamerson, il prétend ne jamais les avoir changées en vingt ans !), tel un boxeur dans les cordes du ring musical.

Le côté plus brut de décoffrage peut être analysé à travers le background musical de l’homme-basse, la country (il accompagna notamment James Burton) en fait un bassiste plus franc et sans chichis, comparé à une Kaye volontiers plus jazzy et à une James Jamerson auquel personne ne se mesure (« il pouvait entendre une autre pulsation dans sa tête ! » s’exclame Nate Watts, bassiste émérite de Stevie Wonder dans le film Standing in the Shadows of Motown).

Joe Osborne en studio

Joe Osborn, si peu connu soit-il du grand public, prête son nom à une ligne d’instruments de la marque Lakland, très inspirée de la Fender Jazz Bass. Curiosité : alors qu’on n’a jamais vu l’homme avec une basse à cinq cordes (tessiture élargie au Si grave), un modèle de ce genre porte sa signature !

Allez, je me tais. Musique !

http://www.youtube.com/watch?v=SBEomCtCujw