Wilson Pickett aux studios de Muscle Shoals, vers 1969

Memphis, ce n’est pas seulement la ville d’Elvis Presley. Ce n’est pas uniquement ce train du mystère auquel Jarmusch rendit hommage par un brillant triptyque cinématographique en 1989.

Dans le sillon de Stax, de petits studios essaiment dans l’état voisin du Tennessee, l’Alabama. Un documentaire exhumé des archives de Stax Records, qui date de 1969, fait la lumière sur l’alchimie du studio Fame. On y voit Booker T. and the MG’s (parmi eux, l’éminent co-auteur guitariste-arrangeur-compositeur d’Otis Redding, Steve Cropper, Donald « Duck » Dunn le bassiste frétillant, Al Jackson le magnifique, etc.), mais aussi Isaac Hayes, compositeur-pianiste-arrangeur pas tout à fait sous les feux de la rampe à l’époque, en train de formaliser un arrangement de cuivres (c’est-lui même qui insuffle vigueur au saxophone baryton) pour la section The Memphis Horns, le vocaliste Brook Benton, le bassiste David Hood et bien d’autres.

Fame Studios incarne également le fameux son « Muscle Shoals », cette banlieue de Memphis qui vit percoler un savant mélange de blues sudiste et une soul sophistiquée (pour n’en citer que quelques grandes pointures : Otis Redding, Wilson Pickett, Isaac Hayes, Sam & Dave)

Encore une fois, pour étayer cette histoire, je ne peux que recommander la formidable somme de Peter Guralnick traduite chez Allia, Sweet Soul Music.

Gravures tirées de la musique et les musiciens par A.Lavignac. Catalogue manufrance 1950.

Les orchestrations où le tuba vient épauler la basse électrique, à l’unisson, ne sont pas légion. Ce mélange explosif et rare qui dope le rhythm and blues mérite que l’on s’y attarde.

Au cours de cette année passée, j’ai mis en relation trois compositions, dont il faut souligner que deux au moins d’entre elles comportent un bassiste/tubiste. J’ai pu au moins identifier trois bassistes multi-instrumentistes : Louis Satterfield aux côtés de Donny Hathaway (basse électrique, tuba) et Herbie Flowers aux côtés de Lou Reed (basse électrique, tuba, contrebasse), Kelvin Wooten avec Raphael Saadiq (tuba et probablement basse électrique, étant crédité comme multi-instrumentiste dans le livret de l’album Instant Vintage, paru en 2003).

http://www.youtube.com/watch?v=q2t4nnGfudI

http://www.youtube.com/watch?v=Ooz85nVYfiU

http://www.youtube.com/watch?v=nyTaFXw19mw

Le musicien et producteur Nile Rodgers, fondateur avec Bernard Edwards (1952-1996) et Tony Thompson (1954-2003) du mythique CHIC, vient de mettre à disposition du public via son canal YouTube des enregistrements numérisés de The Big Apple Band, groupe qui préfigure CHIC (le changement de nom eut lieu alors que Walter Murphy se l’appropriait pour son propre groupe). Dans cet enregistrement live de 1976, on retrouve ce qui fera la qualité du groove de la formation funky new-yorkaise trop vite cataloguée comme un groupe de disco, une machine à hits. Bernard Edwards, Fender Jazz Bass en main, a déjà ce son lourd et syncopé, marque de fabrique inimitable, tout comme sa façon de remuer les doigts pour frapper les notes fantômes. Nile Rodgers déploie ses rythmiques saccadées que lui a probablement inspiré Jerome Smith du KC & The Sunshine Band, et Tony Thompson chevauche sauvagement son charleston.

En tout cas, le socle esthétique du CHIC à venir est bien là. Gare à vos esgourdes, le groove est impeccable.

Remerciements à la rédaction du magazine Funk U pour la diffusion de cette rareté.

Nile étant très francophile, il existe une version française de son site qui signale également cette archive.

http://www.youtube.com/watch?v=An2OZSaY8To

La sensibilité écologique n’est pas une nouveauté chez McCrea, la preuve avec ce titre folk engagé paru sur vinyle en 1986, Rancho Seco, qui aborde la présence de la centrale nucléaire construite en 1966 et située à quelque 40 km de Sacramento. Le 20 mars 1978, une panne de refroidissement faillit mener à un désastre d’une ampleur comparable à celle de Tepco à Fukushima, au Japon. Un vote des habitants de Sacramento, précédé de multiples référendums locaux, le 7 juin 1989, a mis fin à l’activité de Rancho Seco (le contrat d’exploitation devait prendre fin en 2008).

Son démantèlement, aujourd’hui achevé, ne saurait faire oublier la présence plus imposante, sur une faille sismique, de l’unité de production Diablo Canyon.

Voici donc Rancho Seco, qui nous fait découvrir un John McCrea d’un vingtaine d’années, moins baryton, toujours nasillard mais résolument différent du leader de CAKE.

http://www.youtube.com/watch?v=acQ6x-JfJpI

Le vétéran du funk pionnier était de passage en région parisienne (Bobigny le 17/02/2011 puis Ivry le 18/02/2011), fait assez extraordinaire pour être signalé quand on sait que l’homme, Sir Joe Quarterman, s’est retiré de l’industrie musicale après un LP mythique sorti chez GSF Records en 1973 (avant qu’il ne bouge chez Mercury), accompagné de singles EP exceptionnels, tels que le joyau Get Down Baby, épique titre en deux parties s’il en est.

Las, si notre Sir Joe affiche une pêche stupéfiante pour son âge, le groupe qu’il se targue d’avoir trié sur le volet, « The Jezebel Sextet » (censé remplacer les Speedometers qui semblent occupés ou congédiés ?)  se montre d’une tiédeur particulière, sinon d’une médiocrité qui infléchit conséquemment la setlist. Il s’agit de six britanniques de Londres, dont seul le trompettiste fait preuve d’un feeling à la hauteur du grand Joe. Le reste du groupe sonne résolument trop pop et manque de cette crasse saccadée qui est la marque d’un backing band de qualité. La frappe du batteur, sauf à de rares moments, est désespérément ordinaire, le guitariste semblerait plus à l’aise dans une formation de blues rock, le bassiste suffit à peine, quant au clavier, on se demande encore ce qu’il a joué ce soir-là.

Mais Sir Joe était chaud comme un lapin, vêtu d’un pantalon blanc et d’une chemise bleue, enchaînant postures évocatrices pendant ces ad lib interactifs avec l’auditoire. Le fait est, second grief, que Sir Joe laisse beaucoup trop de place à son groupe, qui joue seul pendant la moitié de la soirée. Seul le charisme du maître aura permis à ce concert d’Ivry (Le Hangar) de ne pas faire complètement naufrage.

Il aura eu au moins le mérite de remettre en tête à un auditoire a priori sensible à sa musique, les titres les plus ciselés de funk des années 1973-1974 (années prolifiques, où commencèrent à sévir sérieusement, dans cette veine mi-vocale/mi-instrumentale,  Kool & The Gang, Rufus, The Meters, The Bar-Kays). Des mixages d’une profondeur rare, avec cette chaleur typique de ce funk qui brasse rythmique dosée (alliage subtil d’une batterie minimale mais puissante, laidback, d’une basse lourde à souhait, et de congas, cloches, vibraslap), cuivres suintant, et d’une voix exercée toute une vie au gospel, qui constitue souvent une analogie de l’instrument de Sir Joe : la trompette.

http://www.youtube.com/watch?v=O7BGS5NNDLk

Un album fondateur et symbolique du funk-soul de la côte Est de la première partie des années 1970, réédité en CD récemment, mais à ces 9 titres s’ajoutent d’exquis singles portant cette version à 17 titres : Thanks Dad, Pts. 1-2, This Girl of Mine (She’s Good to Me), No, Get Down Baby, Pts. 1-2, I’m a Young Man, How High, Let Me Be What I Am, You Know It’s True.

Références et historique des éditions :

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSF-S-1009 US 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSI-1009 Italy 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GS 504 UK 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, Album) GSF Records, Pathé Marconi EMI 2C 064-94.244 France 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD) Charly Records Ltd. CPCD 8079 UK 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, RE) Charly Records Ltd. CPLP 8079 US 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (2xVinyl, RE) Soul Brother Records (3) LP SBCS 27 UK 2007

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD, Album, RE) Soul Brother Records (3) CD SBCS 27 UK 2007

Visitez aussi le Myspace de Joe Quarterman.

The Badest bass player in the country, Willie Weeks y’all!

C’est de cette manière enthousiaste (avant même de commencer à parler, il lâche un « Ha ! » approbateur) et sans équivoque que le légendaire Donny Hathaway (non pas légendaire parce que mort trop tôt et brutalement, mais parce que touché par la grâce, CQFD) fait l’éloge de ce jeune bassiste prodige venu de Salemburg, North Carolina.

Willie Weeks n’a que 25 ans lorsqu’il accompagne, en bassiste discret mais d’une solidité héritée tout droit de Jamerson, le troublant et troublé Donny Hathaway. Il l’a raconté lui-même, cette invitation de l’impétueux Donny Hathaway le présentant comme le bassiste « le plus chanmé » du pays, lui a collé un sacré défi cette nuit-là. Donny a lancé le thème du morceau Voices inside (Everything is Everything), qu’il va découper en quatre parties. Avant lui, Donny, après un premier mouvement introductif (au cours duquel il improvise un chorus de Fender Rhodes mémorable), a déjà donné voix au chapitre aux excellentissimes guitaristes Mike Howe et Cornell Dupree (qui officiait également auprès de Curtis King, comme indispensable ingrédient de son Memphis Soul Stew, Dupree étant une sympathique synthèse du génie mélodique de Grant Green, de l’énergie de Steve Cropper et de l’intrépidité racée d’Albert King).

Willie Weeks

Dès lors, le jeune Weeks a conscience qu’il ne peut pas se tromper. À la huitième minute du thème, il doit démarrer léger un solo qui va s’étirer langoureusement jusqu’à la douzième minute . Son instrument, selon toute source vraisemblable, serait une Fender Precision Bass de 1962 : des basses profondes, au « clic » caractéristique des cordes filées plat rehaussé par le petit « truc » du bout de mousse glissé sous les cordes. Une technique qui permet de faire ressortir la fondamentale des notes, à une époque où les moyens de faire entendre la basse (« couper le mix », dit-on) étaient rudimentaires. Weeks est tout le contraire de Pastorius (bassiste le plus surestimé s’il en est, qui aspirera à lui seul toute l’attention portée à l’instrument)  : humble, timide, en retrait, un son tout en retenue et à la fois lourd, bref, le sideman idéal. Weeks préfère opérer en plaçant des syncopes secrètes dignes des plus grands stratèges, plutôt que sauter à pieds-joints sur sa basse. Arrêtons là la comparaison inaproppriée entre un bassiste de session funk/soul et un bassiste-arrangeur de fusion superstar.

Willie Weeks se remémore :

« It’s incredible. Everywhere I go somebody knows my name. It’s not like with Michael Jackson—I don’t get mobbed—but I am famous, and I like it. It’s as incredible as that night Donny said, “On bass, ladies and gentlemen, the baddest bass player in the country—Willie Weeks, y’all!” I’m like, Oh, my God! What did he say? What am I going to do? I thought, I’d better build slow! »

(C’est incroyable. Partout où je vais, quelqu’un connaît mon nom. Ce n’est pas comparable à Michael Jackson — on ne m’assaille pas — mais je suis célèbre, et j’aime cela. C’est d’autant plus incroyable que ce soir-là, Donny dit « A la basse, mesdames, messieurs, le bassiste le plus terrible du pays — Willie Weeks ! » Et là, je suis là, Oh mon Dieu ! Qu’est-ce qu’il raconte ? Qu’est-ce que je vais faire ? J’ai pensé qu’il valait mieux construire lentement)

Enfin, Weeks démontre une chose. On peut placer très peu de notes, mais rudement efficaces sur un mi majeur 7^e statique. La cohésion d’ensemble du groupe, exceptionnelle ce soir-là, ouvre la voie au mythe qu’est devenu ce LP.

Référence discographique : Donny Hathaway -- Live (1972; Atco Records)

L’un de ses deux chanteurs et guitariste au bottleneck, interprète de On the Road Again et Going up the Country (entre autres), Alan Wilson,– surnommé « la chouette aveugle » en raison d’une forte myopie dont on peut présupposer qu’elle était fort invalidante – décède d’excès d’héroïne en pleine gloire. À ces mêmes maudits 27 ans, somme d’années à laquelle succombèrent Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin la même année. Moins extravagant, moins extraverti, on n’a jamais donné ce que l’on devait au génie d’Alan Wilson.

C’est aussi à ce moment que, malgré la présence de l’autre chanteur, l’ours Bob Hite, Larry Taylor jette l’éponge. Il poursuivra une carrière musicale sur la route du blues, entre contrebasse et basse.

Pour donner toute la mesure du talent de bassiste de Larry « The Mole » Taylor, il faut se délecter d’une ligne de basse jouée avec une grande subtilité et à la fois une énergie, un groove rare dans le blues.

Canned Heat, "Hallelujah", 1969

C’est que – à l’instar de Ron Carter et James Jamerson – Larry Taylor exploitait sa basse avec les techniques très « physiques » importées du jeu de la contrebasse (syncopes, walkings, silences, notes fantômes et notes étouffées, façon de « crocheter » l’index pour attaquer fort des cordes très tendues).

Cette mélodie qui opère la synthèse du blues et du groove, c’est Time Was, titre nostalgique qui n’aurait d’égal que le Good Times Bad Times de Led Zeppelin sorti la même année (quel cru ! 1969, analogie de sujet et d’excellence bassistique !), et elle réunit Alan Wilson au chant et Larry Taylor à la basse Fender.

http://www.youtube.com/watch?v=blhBcjuOUAM

Stone the Crows (photographies issues du site officiel de Maggie Bell)

Il y a quelque chose chez les musiciens écossais, de métaphysique, qui les fait surgir çà et là dans l’histoire du rhythm and blues, de la soul, et par extension du rock. Nous avions les surprenants Average White Band à la fin des années 1970, sous la houlette de Hamish Stuart et Alan Gorrie, dont j’ai juré il y a quelques années, n’ayant jamais vu leurs têtes, que cette musique était jouée par des noirs. Ils furent d’ailleurs parmi les rares artistes blancs européens à figurer dans la programmation de l’émission « Soul Train », que nous voyons aujourd’hui rééditée en DVD, aux côtés de David Bowie.

S’il on remonte encore quelques années avant, il existe un autre cas stupéfiant (sans jeu de mot). C’est Stone the Crows. Mais Stone the Crows s’est vu trop vite affublé de la comparaison hâtive à Janis et son Big Brother (et plus tard ses autres backing bands : le Kozmic Band, puis l’ultime Full Tilt Band). Jugez vous-même, l’un des seuls – sinon le seul – billet en ligne sur Stone the Crow en français, s’intitule « STONE THE CROWS : clones de Janis Joplin ? ».

C’est une comparaison du même ordre qui a entraîné le manque de considération de Robin Trower – dont il va être question plus loin – en le ramenant à un émule un peu pâle de Jimi Hendrix.

Stone the Crows, c’est un groupe de la bonne vieille école du R&B du vieux continent, de la même futaie qu’un Led Zeppelin des débuts, quand le jeune Plant écumait les bars avec son harmonica. D’ailleurs, c’est Peter Grant, manager de Led Zeppelin qui leur donna ce nom, abasourdi par une de leur prestations scéniques au mythique club glaswegien Burns Howff (le groupe se nomme à l’époque « Power »), il s’exclama « Stone the Crows ! »

Il est vrai que Stone the Crows a bien des points communs avec la formation de Janis Joplin, la comparaison peut néanmoins être délimitée. D’abord, ses musiciens sont pour la plupart des hybrides typiques du tournant musical 60/70, la jonction psychédélique entre soul et rock, ils ont baigné autant dans le vieux blues que dans la soul séminale tout en prenant acte de la pop. Ils sont aussi d’excellents vocalistes, habitués à jouer en formation élargie (donc à chanter fort, lorsque les cuivres s’y mettent). Le bassiste James Dewar, secondant Magie Bell au chant, est une des voix les plus extraordinaire du R&B européen, qui lui vaudra une place de chanteur/bassiste dans le trio de Robin Trower, où officia également Bill Lordan à la batterie, un autre blanc nègre, et ce pour une excellente raison : il venait de la Family Stone de Sly Stewart !

http://www.youtube.com/watch?v=yE7NtFgfYsE

Mais pourquoi une vie si courte pour ce groupe ? Le malheur, c’est la mort sur scène de Les Harvey, frère d’Alex Harvey, tous deux à l’origine de la formation (Alex partira avec son propre groupe, l’Alex Harvey Band), d’abord connue comme le Alex Harvey Soul Band (voilà qui annonçait la couleur). Le 2 mai 1972, lors d’une balance son, Les Harvey s’électrocute sur scène : il a touché en même temps, les mains humides, un microphone mal relié à la terre et les parties métalliques de sa guitare . Stone the Crows, ébranlé, ne se remettra jamais d’un tel choc. Ils offrirent néanmoins un job à Jimmy McCulloch, ce qui lui servit d’excellente carte de visite lorsque McCartney l’embaucha dans son projet post-Beatles, « The Wings ».

Quant à James Dewar, après avoir excellé au chant dans le Robin Trower Trio (les mémorables Daydream, Day of the Eagle, Bridge of Sighs), il meurt en 2002 d’un arrêt cardiaque consécutif à une erreur médicale commise en 1987,  dans un quasi oubli : seule la presse écossaise a réellement relaté son décès.

Et comme le hasard fait bien les choses, après des années à chercher des extraits vidéo, je viens de trouver cette archive INA de 1973, qui fait apparaître le trio dans toute sa splendeur (Reg Isidore remplace Bill Lordan à la batterie).

Robin Trower Trio. Live 1973

Discographie

• Stone The Crows 1969
• Ode To John Law 1970
• Teenage Licks 1971
• Ontinuous Performance 1972

Synthèse improbable de Muddy Waters, Kurt Weill, Ornette Coleman, que sais-je encore, Beefheart s’était entouré de musiciens visionnaires – eux aussi –, au sein de son Magic Band. Parmi eux, le jeune Zoot Horn Rollo joue sur Trout Mask Replica (1969, produit par son ami non moins prolifique, Frank Zappa).

Aussi, si l’avant-garde désigne historiquement (notion, rappelons-le, qui nous vient du lexique guerrier) ce que l’on n’a pas osé entreprend auparavant, l’écoute de Dachau Blues, l’un des titre de cet opus, est effectivement une expérience inédite. À l’âge de 17 ans, John Frusciante – que Zappa voulait engager dans son groupe avant de le laisser aux très populaires Red Hot Chili Peppers – commençait chaque journée en jouant de la guitare sur ce disque !

Zoot Horn Rollo a mis un terme à sa carrière musicale dans l’industrie du disque un peu après le milieu des années 1970 pour se retirer à Eugene, dans l’Oregon, vivant pleinement sa peinture  (une forme d’expression qu’il partagea avec le Captain)  et enseignant la guitare. Le destin du modeste, en somme, dans l’ombre d’un créateur que l’on décrit çà et là parfois rude envers ses collaborateurs. C’est justement chez Bill Harkleroad, alias Zoot Horn Rollo (le pseudo est lui-même un art dans la sphère du Captain), à travers ses souvenirs réunis sous le titre Lunar Notes¹, publiés en 1998 que l’on pourra trouver de quoi rassembler une « photographie » mythique de Captain Beefheart. Bien qu’on puisse s’attendre à un portrait subjectif (qui pourrait anticiper l’inverse ?), cela vaut sans doute la peine d’y jeter un œil.

¹ Harkleroad, Bill (1998). Lunar Notes : Zoot Horn Rollo’s Captain Beefheart Experience. Interlink Publishing. ISBN 0-946719-21-7. Extraits consultables chez Amazon.com : http://www.amazon.com/Lunar-Notes-Captain-Beefheart-Experience/dp/0946719217.

Parmi les premiers héritiers de cette première génération de pélerins de la basse électrique, on remarque ce jeune prodige que fût Michael Henderson, qui remplaça l’anglais Dave Holland qui souhaitait se consacrer à la contrebasse (il faut revoir sa fantastique performance à la basse Fender en 1969 au Festival de Wight) au sein du groupe de Miles Davis en 1970. Rapide calcul, il avait à peine 19 ans (certes, on trouve plus jeune, le bassiste Andy Fraser avait 16 ans lorsque Free joua à Wight !)

Le magazine Jazz Hot l’a choisi pour illustrer son numéro de novembre 1973 consacré aux musiciens de Miles.

Pour mémoire, voici les albums qu’il a enregistré avec Miles Davis du début de la période dite « électrique » à la retraite de ce dernier.

The Cellar Door Sessions (1970)

A Tribute to Jack Johnson (1971)

Live-Evil (1971)

On the Corner (1972)

In Concert: Live at Philharmonic Hall (1973)

Big Fun (1974)

Get Up with It (1974)

Agharta (1975)

Pangaea (1975)

Dark Magus (1977)