Wilson Pickett aux studios de Muscle Shoals, vers 1969

Memphis, ce n’est pas seulement la ville d’Elvis Presley. Ce n’est pas uniquement ce train du mystère auquel Jarmusch rendit hommage par un brillant triptyque cinématographique en 1989.

Dans le sillon de Stax, de petits studios essaiment dans l’état voisin du Tennessee, l’Alabama. Un documentaire exhumé des archives de Stax Records, qui date de 1969, fait la lumière sur l’alchimie du studio Fame. On y voit Booker T. and the MG’s (parmi eux, l’éminent co-auteur guitariste-arrangeur-compositeur d’Otis Redding, Steve Cropper, Donald « Duck » Dunn le bassiste frétillant, Al Jackson le magnifique, etc.), mais aussi Isaac Hayes, compositeur-pianiste-arrangeur pas tout à fait sous les feux de la rampe à l’époque, en train de formaliser un arrangement de cuivres (c’est-lui même qui insuffle vigueur au saxophone baryton) pour la section The Memphis Horns, le vocaliste Brook Benton, le bassiste David Hood et bien d’autres.

Fame Studios incarne également le fameux son « Muscle Shoals », cette banlieue de Memphis qui vit percoler un savant mélange de blues sudiste et une soul sophistiquée (pour n’en citer que quelques grandes pointures : Otis Redding, Wilson Pickett, Isaac Hayes, Sam & Dave)

Encore une fois, pour étayer cette histoire, je ne peux que recommander la formidable somme de Peter Guralnick traduite chez Allia, Sweet Soul Music.

La sensibilité écologique n’est pas une nouveauté chez McCrea, la preuve avec ce titre folk engagé paru sur vinyle en 1986, Rancho Seco, qui aborde la présence de la centrale nucléaire construite en 1966 et située à quelque 40 km de Sacramento. Le 20 mars 1978, une panne de refroidissement faillit mener à un désastre d’une ampleur comparable à celle de Tepco à Fukushima, au Japon. Un vote des habitants de Sacramento, précédé de multiples référendums locaux, le 7 juin 1989, a mis fin à l’activité de Rancho Seco (le contrat d’exploitation devait prendre fin en 2008).

Son démantèlement, aujourd’hui achevé, ne saurait faire oublier la présence plus imposante, sur une faille sismique, de l’unité de production Diablo Canyon.

Voici donc Rancho Seco, qui nous fait découvrir un John McCrea d’un vingtaine d’années, moins baryton, toujours nasillard mais résolument différent du leader de CAKE.

http://www.youtube.com/watch?v=acQ6x-JfJpI

Le vétéran du funk pionnier était de passage en région parisienne (Bobigny le 17/02/2011 puis Ivry le 18/02/2011), fait assez extraordinaire pour être signalé quand on sait que l’homme, Sir Joe Quarterman, s’est retiré de l’industrie musicale après un LP mythique sorti chez GSF Records en 1973 (avant qu’il ne bouge chez Mercury), accompagné de singles EP exceptionnels, tels que le joyau Get Down Baby, épique titre en deux parties s’il en est.

Las, si notre Sir Joe affiche une pêche stupéfiante pour son âge, le groupe qu’il se targue d’avoir trié sur le volet, « The Jezebel Sextet » (censé remplacer les Speedometers qui semblent occupés ou congédiés ?)  se montre d’une tiédeur particulière, sinon d’une médiocrité qui infléchit conséquemment la setlist. Il s’agit de six britanniques de Londres, dont seul le trompettiste fait preuve d’un feeling à la hauteur du grand Joe. Le reste du groupe sonne résolument trop pop et manque de cette crasse saccadée qui est la marque d’un backing band de qualité. La frappe du batteur, sauf à de rares moments, est désespérément ordinaire, le guitariste semblerait plus à l’aise dans une formation de blues rock, le bassiste suffit à peine, quant au clavier, on se demande encore ce qu’il a joué ce soir-là.

Mais Sir Joe était chaud comme un lapin, vêtu d’un pantalon blanc et d’une chemise bleue, enchaînant postures évocatrices pendant ces ad lib interactifs avec l’auditoire. Le fait est, second grief, que Sir Joe laisse beaucoup trop de place à son groupe, qui joue seul pendant la moitié de la soirée. Seul le charisme du maître aura permis à ce concert d’Ivry (Le Hangar) de ne pas faire complètement naufrage.

Il aura eu au moins le mérite de remettre en tête à un auditoire a priori sensible à sa musique, les titres les plus ciselés de funk des années 1973-1974 (années prolifiques, où commencèrent à sévir sérieusement, dans cette veine mi-vocale/mi-instrumentale,  Kool & The Gang, Rufus, The Meters, The Bar-Kays). Des mixages d’une profondeur rare, avec cette chaleur typique de ce funk qui brasse rythmique dosée (alliage subtil d’une batterie minimale mais puissante, laidback, d’une basse lourde à souhait, et de congas, cloches, vibraslap), cuivres suintant, et d’une voix exercée toute une vie au gospel, qui constitue souvent une analogie de l’instrument de Sir Joe : la trompette.

http://www.youtube.com/watch?v=O7BGS5NNDLk

Un album fondateur et symbolique du funk-soul de la côte Est de la première partie des années 1970, réédité en CD récemment, mais à ces 9 titres s’ajoutent d’exquis singles portant cette version à 17 titres : Thanks Dad, Pts. 1-2, This Girl of Mine (She’s Good to Me), No, Get Down Baby, Pts. 1-2, I’m a Young Man, How High, Let Me Be What I Am, You Know It’s True.

Références et historique des éditions :

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSF-S-1009 US 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GSI-1009 Italy 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP) GSF Records GS 504 UK 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, Album) GSF Records, Pathé Marconi EMI 2C 064-94.244 France 1973

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD) Charly Records Ltd. CPCD 8079 UK 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (LP, RE) Charly Records Ltd. CPLP 8079 US 1995

Sir Joe Quarterman & Free Soul (2xVinyl, RE) Soul Brother Records (3) LP SBCS 27 UK 2007

Sir Joe Quarterman & Free Soul (CD, Album, RE) Soul Brother Records (3) CD SBCS 27 UK 2007

Visitez aussi le Myspace de Joe Quarterman.

Synthèse improbable de Muddy Waters, Kurt Weill, Ornette Coleman, que sais-je encore, Beefheart s’était entouré de musiciens visionnaires – eux aussi –, au sein de son Magic Band. Parmi eux, le jeune Zoot Horn Rollo joue sur Trout Mask Replica (1969, produit par son ami non moins prolifique, Frank Zappa).

Aussi, si l’avant-garde désigne historiquement (notion, rappelons-le, qui nous vient du lexique guerrier) ce que l’on n’a pas osé entreprend auparavant, l’écoute de Dachau Blues, l’un des titre de cet opus, est effectivement une expérience inédite. À l’âge de 17 ans, John Frusciante – que Zappa voulait engager dans son groupe avant de le laisser aux très populaires Red Hot Chili Peppers – commençait chaque journée en jouant de la guitare sur ce disque !

Zoot Horn Rollo a mis un terme à sa carrière musicale dans l’industrie du disque un peu après le milieu des années 1970 pour se retirer à Eugene, dans l’Oregon, vivant pleinement sa peinture  (une forme d’expression qu’il partagea avec le Captain)  et enseignant la guitare. Le destin du modeste, en somme, dans l’ombre d’un créateur que l’on décrit çà et là parfois rude envers ses collaborateurs. C’est justement chez Bill Harkleroad, alias Zoot Horn Rollo (le pseudo est lui-même un art dans la sphère du Captain), à travers ses souvenirs réunis sous le titre Lunar Notes¹, publiés en 1998 que l’on pourra trouver de quoi rassembler une « photographie » mythique de Captain Beefheart. Bien qu’on puisse s’attendre à un portrait subjectif (qui pourrait anticiper l’inverse ?), cela vaut sans doute la peine d’y jeter un œil.

¹ Harkleroad, Bill (1998). Lunar Notes : Zoot Horn Rollo’s Captain Beefheart Experience. Interlink Publishing. ISBN 0-946719-21-7. Extraits consultables chez Amazon.com : http://www.amazon.com/Lunar-Notes-Captain-Beefheart-Experience/dp/0946719217.

Dusty Fingers est une série de compilations de morceaux groovy (et par ailleurs souvent tombés dans l’oubli) que les artistes hip-hop et électro réinvestissaient dans des productions intelligentes. Inventaire scrupuleux des sources échantillonnées en une trentaine d’années de hip-hop par le DJ Bronx et Danny Dann the Beat Mann.

En effet, le flair des générations plus anciennes de DJ et leur connaissance des musiques soul et funk leur permettait alors de proposer une musique autrement plus savoureuse et fluide que les misérables boucles programmées sur le rap Star-Trek d’aujourd’hui, je veux parler de celui qui passe sur les ondes en ce moment, un hip-hop qui a rompu avec le background musical fort des années 1970, et disons le sans détours – un hip-hop sans culture. Limitons le constat misérabiliste : Cormega, l’un des lascars de Queensbridge (NY), aux côtés de Mobb Deep, Big Noyd, Nas, a utilisé un break bass+batterie de Frank McDonald (Night Moves, un instrumental au style inqualifiable) pour son titre R U my nigger ? (2001). Le même échantillon rythmique et mélodique a servi également de base à Nas (The Flyest) et Mobb Deep (Murderers). Ces derniers m’ont moins convaincu de l’utilisation de ce vieux vinyl, même si je suis un piètre amateur de hip-hop…

En tout cas, les 17 volumes réunis jusqu’à présent (plus de 10 années de dépoussiérage de galettes !) sont à découvrir ; voilà des heures d’encyclopédie musicale garanties. Avec un petite surprise parmi d’autres, deux reprises des Beatles…

Jetez également un œil sur ce petit inventaire des productions ayant samplé des morceaux parfois pas piqués des hannetons (vous verrez lequels) sur noyau.biz.

http://www.youtube.com/watch?v=Wv4-6XfZsKU

http://www.youtube.com/watch?v=ftp1Ob9cZOU

Au-delà de cela, le directeur d’internationale situationniste a persisté d’ignorer les convulsions du rock et de la folk music – fait relevé avec pertinence par Toulouse-La-Rose dans son petit opuscule Pour en finir avec Guy Debord –, tout comme il ignora l’histoire moderne renouvelée par l’École des Annales ) et un Vian chroniqueur fou et trompettiste blafard, hanté par la passion des thriller à l’américaine…

D’ailleurs, c’est en 1979 que Straram consacrera  pas moins de cinq émissions radio à Boris Vian. Straram, c’est le pendant inacceptable de Debord – quoique ce dernier le désignât comme l’auteur de la « première déclaration situationniste exprimée » –, il est voyageur, il aime le rock anglo-américain, il a sali ses mains pour des salaires et – Ô misère ! – il s’éprenait de Resnais, de Queneau, de Deleuze et tant d’autres bourgeois… parmi lesquels l’un est encore plus intolérable que les autres : « le plus con des Suisses pro-chinois », Jean-Luc Godard.

Patrick Straram, photographie de 2e de couverture de "irish coffee au no name bar & vin rouge valley of the moon" © Louise Rémillard et André Tremblay

Straram aimait passionnément les disques (on lui vola sa conséquente collection au début des années 1980 ainsi que son matériel audio, un coup fatal alors qu’il est obligé de se réfugier chez une amie à Longueuil, Francine, à l’endroit de Montréal dit « Rive Sud » et quartier populaire de HLM). Nombre de ses poèmes sont autant d’envolées lyriques (il aime par ailleurs les litanies dans ce style cher à Malcolm Lowry, dont il admire Au-dessous du volcan) consacrés au groupe de l’Ontario The Band (il voue un culte sans limites au titre The Weight et à l’album The Big Pink– qui apparaît dans la bande originale de Easy Rider de Dennis Hopper qui s’est éteint aujourd’hui 29 mai 2010), mais aussi au Grateful Dead de Jerry Garcia, aux Rolling Stones, à Dylan… Straram ainsi, dans une idiosyncrasie teintée d’éthylisme, est le plus aventurier et moderne de ses (ex-) compagnons de dérive volontiers plus ancrés du côté de la Renaissance et de la belle langue que dans la transfiguration folk de San Francisco. Pourtant, il représente un trait d’union entre les avant-gardes et la contre-culture, et tant va le tricard à l’art spectaculaire qu’à la fin on l’oublie.

Pour exprimer son déracinement inévitable et l’importance de son émigration, il empruntait à Brecht la citation suivante : « La meilleure école pour la dialectique, c’est l’émigration. Les dialecticiens les plus pénétrants sont exilés ».

Il est vrai qu’en France, nous (disons, le large public sensible à TOUS les participants aux avant-gardes) connaissons Straram que depuis la réédition de ses textes sous l’impulsion roborative d’un tandem d’universitaires, Boris Donné et Jean-Marie Apostolidès, à travers trois textes : Les Bouteilles se couchent (Allia, 2006), La veuve blanche un peu détournée (Sens & Tonka, 2006), Lettre à Guy Debord (Sens & Tonka, 2006).

Aussi un répèrage bibliographique, que l’on complétera pour avec l’excellent inventaire du fonds Straram dressé en 2003 par Hélène Blain pour la BAnQ (Bibliothèque et Archives nationales du Québec, Montréal), donnera un autre éclairage qu’un portrait de Straram en ami dériveur de Debord, de façon à présenter ce probable renégat, par sa sensibilité au mouvement hippie, aux manifestations que les orthodoxes de l’IS auraient jugées comme de méprisables manifestations spectaculaires. Pourtant, de nombreuses similitudes avec le jeune Debord sont frappantes, ainsi l’admiration portée à Sartre (Debord a plutôt dissimulé cela, mais Boris Donné a démontré habilement comment Sartre est référent chez lui), notamment à travers une fascination pour le roman L’Âge d’homme (1945) et la portée du genre autobiographique, ainsi qu’une poétique des lieux et surtout de la ville stimulée par l’absorption de quantités d’alcools inconcevables.

Enfin, l’itinéraire de Patrick Straram relate l’expérience d’un français déraciné, ayant jeté les amarres au Québec après quelques années en temps qu’employé forestier dans la région de Vancouver. Straram, arrivant avec le désir jamais émoussé d’une subjectivité radicale, constate le degré d’immission du capitalisme dans la vie et la culture québécoises. A son arrivée, il constatera d’ailleurs que Radio-Canada joue un rôle similaire à celui de la moribonde ORTF en France à la même époque.

Straram fut attiré par l’exil comme telle masse liquide par l’attraction des astres ; en témoignent ces quelques lignes :

«L’obligation de m’arracher au Québec, de m’exiler encore une fois, puisque tous les journaux, les postes de radio, la télévision, l’enseignement m’y étaient interdits, le mal dégueulasse que cela fait, il n’est pas prêt de cesser, la plaie n’est paa prête de se cicatriser, chaque jour ailleurs qu’au Québec la rouvre, ça vous fouille jusqu’à l’os, il y a de brusques arrêts du coeur, de longs temps de nostalgie, de prostration, qui font vomir…»

La thématique du déracinement et l’expérience américaine sont séminales dans les écrits de Straram. Après avoir vécu en Californie et au Canada, impossible pour lui d’envisager à nouveau la France. D’ailleurs, il ne peut plus y pénétrer, puisqu’il est déserteur. Il éprouve même une sympathie marquée pour le nationalisme québécois et la présence la langue française.

Si la bibliographie de Patrick Straram tient dans un mouchoir de poche, gageons qu’un certain nombre des archives qu’il a léguées à la Bibliothèque nationale et archives du Québec (alors que la maladie lui rongeait les poumons) permettront l’établissement de nouveaux corpus et de donner un éclairage autre sur ceux que l’on considère comme les moins-que-rien des dernières avant-gardes post-surréalistes francophones.

Repères bibliographiques

Établis à partir des notices de  WorldCat,  de la BAnQ, et d’ouvrages rares consultés à la BNF (certains consultables sous surveillance !)

• Cahier pour un paysage à inventer, revue, 1960.
• One+One Cinemarx et Rolling Stones. Montréal : Les Herbes rouges, 1971.
• Gilles Groulx, le Lynx inquiet. Patrick Straram; Jean-Marc Piotte. Montréal : Cinémathèque québécoise/Editions québécoises, 1971.
• En train d’être en train vers où être, Québec … : graffito folk-rock de Patrick Straram, le bison ravi, Patrick Straram. Montréal : L’Obscène nyctalope, 1971. (NB : texte également repris dans l’ouvrage suivant)
• irish coffees au no name bar & vin rouge valley of the moon. Montréal : L’Hexagone/L’Obscène nyctalope, 1972.
• Questionnement socra-cri-tique. Montréal : L’Aurore, ©1974. (Coll. « Ecrire », 2).
• Littérature et politique. Patrick Straram; André Belleau; et al. Longueuil : Stratégie, 1974.
• La Faim de l’énigme. Kamouraska : Éditions de l’Aboiteau, 1975.
• Bribes 1. Pré-textes et lectures. Montréal : L’Aurore, 1975. (Coll. « Ecrire », 11)
• Bribes 2. Le bison ravi fend la bise. [Montréal] : L’Aurore, 1976. (Coll. « Ecrire »)
• Blues clair ; Quatre quatuors en trains qu’amour advienne.  Patrick Straram; Francine Simonin. Saint-Laurent, Québec : Éditions du Noroît, 1984.
• Les bouteilles se couchent, éditions Allia, Paris, 2006 (Texte retrouvé aux Archives nationales du Québec et édité par B. Donné et J-M. Apostolidès, suivi d’une notice fort éclairante de ces derniers).
• La Veuve blanche et noire un peu détournée, éditions Sens & Tonka, 2006 (Texte édité et préfacé par B. Donné et J-M. Apostolidès et suivi d’un ensemble métagraphique et biographique de l’auteur)
• Lettre à Guy Debord (1960), éditions Sens & Tonka, 2006

Articles parus en revues

• « P.S. Post-Scriptum harmonial », in Le Tremplin, n°63, novembre 1953, p.4
• « L’air de nager » (1960, dans Cahier pour un paysage à inventer, 1, Montréal)
• « Tea for One », in Écrits du Canada Français, 1960.

Collaborations

• « Tea for one 2 hypojazz ; Electronic music for mind and body ». Patrick Straram, in Musiques du Kébèk, dir. Raoul Duguay, Montréal, Éditions du Jour, 1971

Divers

• « To a strange night of stone », postface à Pornographic Delicatessen, de Denis Vanier, 1968, Éditions de l’Estérel.
• « Wolf House & Cabaret de la dernière chance, François de la Panam », postface à Le talon de fer de Jack London, 1972, éditions L’Étincelle.
• « De la nécessité d’une effraction poétique intense à l’intérieur d’une société de répression dont l’objectif révolutionnaire est récupéré par toutes sortes de libéraux, agents les pires de tous les fascismes à venir », préface à La maladie est en eux, ce sont des chiens de Denis Vanier, 1972, éditions Parti Pris.
• « Métis et fleur bleue », pour Les grands spectacles de Lucien Francœur, 1974, L’Obscène nyctalope.

Ouvrages critiques consacrés à Patrick Straram

• L’arpenteur de la ville: L’utopie urbaine situationniste et Patrick Straram, Marc Vachon, 2005, Éditions Tryptique.

Webographie

http://www.revue-analyses.org/index.php?id=630

http://remue.net/spip.php?article1659

http://www.ababord.org/spip.php?article95

http://www.archipel.uqam.ca/2516/1/M11033.pdf (Mémoire de Maîtrise de Xavier Martel, enseignant à l’UQAM)

Clifford Charles Seeley

Paul Kagan

Victor Moscoso

Wes Wilson

Voici un complément de quelques grands noms du graphisme psychédélique dont quelques pièces étaient exposées au Musée d’Orsay tout récemment.

Lester Bangs (1948-1982), initiateur de la mouvance critique du « journalisme Gonzo », fut saisi, dans ses moments d’égarements et d’excès en tout genre qui laissent augurer sa mort si précoce, et dit ne jamais s’être remis d’Astral Weeks ; partant, il le considérait comme le disque ayant eu le plus d’importance dans sa courte vie. Dans ce passage, extrait de Stranded (1979) – dernière période de sa vie – Lester Bangs affronte la question de la signification et de l’impact d’une poétique mystique qui marquent cet opus visionnaire de Van Morrison. Au piège de sa propre tentative d’élucidation, probablement.

Au final, peu importe de saisir le signifié : la tension entre illusion réaliste (Sainte-Beuve est toujours dans l’impasse ici) et une thématique prégnante dans l’œuvre de Morrison dans sa totalité, celle d’une esthétique de la vision[1] illumine ce disque. Inutile d’appliquer ici quelconque théorie sémiotique, l’effet surnaturel balayant tout d’un revers.

Une occasion de redécouvrir cet opus à la fois puissant et lénifiant, dominé par une ambiance acoustique (a-t-on jamais entendu un disque folk/rock sonner de manière aussi sublime par une orchestration traditionnelle ?) où la contrebasse mène le bal mystique. On soulignera que deux des musiciens présents sont rodés au jazz (Jay Berliner et Connie Kay), apportant la virtuosité remarquable mais jamais vaniteuse aux variations libres d’Astral Weeks. Fait étonnant, Astral Weeks, sorti en novembre 1968, n’a pas suscité de soudain engouement et ses ventes sont toujours restées modestes.  Et ce n’est certainement pas ce qui nous retiendra de l’écouter…

On retrouvera l’article original à cette adresse. L’album est écoutable en streaming sur Spotify.

Lester Bangs

Astral Weeks

(Traduction de Jean-Paul Mourlon, in Pyschotic Reactions  & autres carburateurs flingués, © 2005 Tristram)

Vous vous demandez probablement quand je vais me mettre à vous parler d’Astral Weeks. À dire vrai, il y a beaucoup de choses dedans dont je ne souhaite pas vous parler du tout. À la fois parce que, que vous l’ayez entendu ou non, il ne serait pas juste que je vous impose mon interprétation d’une imagerie à la subjectivité aussi lapidaire, et parce que, dans bien des cas, je ne sais pas de quoi Morrison parle. Lui non plus, d’ailleurs : « Je ne suis pas surpris que les gens tirent des significations différentes de mes chansons, a-t-il dit à un interviewer de Rolling Stone. Mais je ne veux pas donner l’impression que je sais ce que tout ça veut dire, parce que ce n’est pas le cas… Il y a des moments où je suis perplexe. J’examine certains trucs qui viennent, voyez. Et par exemple il y a ça et ça a l’air d’aller, mais je ne suis pas sûr de ce que cela signifie. »

There you go

Starin’ with a look of avarice

Talkin’ to Huddie Ledbetter

Showin’ pictures on the walls

And whisperin’ in the halls

And pointin’ a finger at me.

Je n’ai pas la moindre idée de ce que ça « veut dire », bien qu’à un certain niveau  j’aimerais aborder ce texte d’une manière aussi indirecte  et aussi évocatrice que les paroles elles-mêmes. De toute façon, vous courez aux ennuis dès que vous vous asseyez pour expliquer exactement ce que signifie un document mystique, ce qu’est exactement Astral Weeks. Pour commencer, il signifie le jeu de basse de Richard Davies, qui accompagne les chansons et le chant tout du long avec un lyrisme qui n’est pas simple grand talent de musicien : il comporte quelque chose de plus  qu’inspiré, ému, on pénètre là dans le royaume du miraculeux. Tout l’ensemble, – la section de cordes de Larry Fallon, la guitare de Jay Berliner (il a joué sur le Black Saint and the Sinner Lady, de Mingus), la batterie  de Connie Kay – est de ce tonneau : eux et Van sonnent comme si non seulement ils lisaient mutuellement leurs pensées, mais que de surcroît ils y habitaient. Les faits sont peut-être différents. À l’époque, John Cale  faisait un album dans le studio voisin, et  raconte :  «  Morrison ne pouvait travailler avec personne, alors finalement ils l’ont enfermé tout seul dans le studio. Il a enregistré toutes les chansons avec une simple guitare sèche, et plus tard ils ont fait des overdubs sur tout le reste de la bande. »

Le récit de Cale peut être vrai ou non – mais de toute façon, les faits ne nous seront d’aucune utilité ici. Fait : Van Morrison avait vingt-deux ans – ou vingt trois – quand il a enregistré ce disque ; il y a des vies entières derrière. Astral Weeks ne parle pas de faits, mais de vérités. Astral Weeks pour autant qu’on puisse le définir, est un album qui parle de gens assommés par la vie, complètement écrasés, enfermés dans leur peau, leur âge et leur moi, paralysés par l’énormité de ce qu’ils peuvent comprendre en un instant visionnaire. C’est un don terrible et précieux, né d’une atroce vérité, parce que ce qu’ils voient est à la fois infiniment beau et horrifiant au possible : la capacité  humaine infinie de créer ou de détruire, selon le caprice. Ce n’est pas de la mystique orientale, ni une vision psychédélique ; encore moins une perception baudelairienne de la beauté du sordide ou du grotesque. Peut-être cela se réduit-il à la découverte momentanée du miracle de la vie, avec son concomitant inévitable, un aperçu vertigineux de la capacité à souffrir, et d’infliger cette souffrance.

[1] [note de l'auteur du billet] À ce propos, le titre de l’album de 1982– année du décès de Bangs –, Beautiful Vision, est évocateur. Un excès de visions qui le mène à cette époque à se convertir à la scientologie, le livret exprimant une reconnaissance à l’endroit de Ron Hubbard, son fondateur.

C’est aussi l’occasion de se rendre à l’exposition Art Nouveau Revival qui a lieu au Musée d’Orsay (jusqu’au 4 février 2010), où l’on trouve cette réminiscence psychédélique des aspects floraux de l’Art Nouveau. Dans le joli catalogue de l’exposition, que j’ai très rapidement feuilleté en librairie, on retrouve le nom du magicien touche-à-tout Klaus Voormann.

Source : site officiel de Bob Masse

Brad Campbell, architecte musical du Kozmic Blues Band

Je devrais créer une rubrique « légendes de la basse », bien que cela me semble clinquant, aguicheur, réducteur. J’accuse le stéréotype de l’hommage du genre « nos chanteurs disparus » (suivez mon regard, joies de la télévision française – celle-là ne me manque en rien). On sent venir le stéréotype du musicien virtuose emmerdeur, jouant une musique écoutée rien que par les musiciens.

On me demandait récemment si j’aimais les « grands bassistes » – à cela je repondis « je préfère les petits! C’est quoi pour toi un grand bassiste ? – réponse : le « G3″ de la basse, les astiqueurs de manches en chef, les dénommés et ennuyeux quoique doués : Marcus Miller, Victor Wooten, Stanley Clarke. Moue de l’intéressé. Oui, j’ai toujours préféré les bassistes en retrait, dans la tradition de la contrebasse, qui participe à l’assise rythmique des compositions, scellant quelques lignes dépouillées mais imparables : les James Jamerson, Paul McCartney, Duck Dunn, Wilton Felder, Bob Babbitt. À ceux-là l’occasion m’est ici offerte d’en ajouter un autre, et par là-même de lui rendre justice.

Je veux parler de Brad Campbell, bassiste nord américain (canadien, plus précisément) qui entraîna l’inflexion soul façon Stax/Volt du Kozmic Blues Band, le deuxième groupe de Janis Joplin (après le défunt et tout aussi – sinon davantage – mythique Big Brother & The Holding Company, dont ne restait qu’un rescapé, le compositeur et guitariste Sam Andrew) puis dans le Full Tilt Band. Brad Campbell a fait ses armes de bassiste et chanteur dans The Paupers, formés à Toronto au cours de l’année 1965, groupe qui l’avait déjà arraché aux plus obscurs The Last Words.

Brad Campbell, debout à droite, au sein de The Last Words (circa 1965)

C’est Janis Joplin qui approchera directement Brad Campbell pour former son nouveau groupe. Par ironie ou non, le basssiste déjà discret, cérébral (encore un stéréotype), Brad Campbell signait les arrangements et certaines compositions du pseudonyme Keith Cherry. Car l’homme, en plus d’une virtuosité blues/soul à la basse électrique qui en font le pair (aussi bien que l’émule, oseront certains) de Jamerson (Motown), Duck Dunn (Stax/Volt), John Paul Jones (Led Zeppelin), James Alexander (The Bar-Kays), etc., maîtrisait l’orchestration, la vue d’ensemble de ce qui porte la musique d’une formation tant électrique qu’éclectique (le magnifique Summertime adapté de George et Ira Gershwin) .

Brad Campbell sur scène avec Janis Joplin

Le Full Tilt Boogie Band, Brad Campbell est juste derrière Janis Joplin

Je ne dispose que d’informations très parcellaires, inutile donc de brosser une biographie exhaustive. Quelques extraits de prestations live avec Janis Joplin suffiront au bonheur de pouvoir le citer : voici Brad Campbell, bassiste qui contribua au son psychédélique et au succès intemporel des deux derniers groupes de la diva échevelée, brusquement décédée dans sa 27^e année. Vous entendez ces cuivres sur Try (Just a little bit harder) ? C’est l’homme qui les a composés.

Allez, voici quelques morceaux de groove de choix.

http://www.youtube.com/watch?v=7gsqBEPSrd0

http://www.youtube.com/watch?v=ssF65nQAyw4

http://www.youtube.com/watch?v=mzNEgcqWDG4